Jazztronik is una banda japonesa dirigida por el DJ/productor Ryota Nozaki. Al ser uno de los mejores DJ's, Nozaki es conocido no sólo en Japón, sino también en Europa, Nueva Zelanda y Estados Unidos. Entre sus variados estilos musicales se incluye el nu jazz y jazz house. Asimismo él compuso tanto letras como música para varios grupos, entre ellos Mondo Grosso y Miho Karasawa. Actualmente están asociados a Especial Records, y a veces están relacionados con Compost Records y Sonar Kollektiv. Jazztronik es muy popular y tiene más de 100 mil discos vendidos. Tocan ante un gran público por todo el ámbito club japonés y por expandirse en América y Europa ha llegado incluso a alcanzar popularidad en el ámbito club inglés.
Dentro de sus planes, la banda planea sacar al menos 3 álbumes por año al mercado.
Incognito es el proyecto liderado por el británico Jean-Paul Maunick, conocido también como Bluey.
Forma parte del quinteto de imprescindibles del acid jazz (junto a Jamiroquai, The Brand New Heavies, Corduroy y The James Taylor Quartet), estilo del que es un referente ineludible y que ha contribuido a definir y a popularizar.
Su música es, por tanto, una fusión de jazz, funk, soul, disco, bossa/samba, house y ritmos dance. Aunque las bases de algunos temas utilizan bases electrónica de house, es la suya una propuesta fundamentalmente acústica, perfecta para los amantes de la música negra con reminiscencias de los 70 pero con la modernidad de la música de baile de principios de los 90.
Muy posiblemente sea el grupo perfecto para quien quiera introducirse en el acid jazz, o para quien ya sea amante convencido del estilo, porque hasta ahora no han editado ni un solo álbum prescindible (ni parece probable que pueda ocurrir), todos son magníficos y algunos de ellos se cuentan entre las obras maestras del acid jazz y de la música negra en general.
Incognito fue fundado por Jean-Paul Maunick y Paul Tubbs Willliams, ambos integrantes del grupo de disco-funk Light Of The World, activo a finales de los 70. Con la llegada de los 80, tras la edición del tercer LP de Light Of The World, Check us out, disuelven la formación y crean Incognito, editando en 1981 su álbum debut, Jazz-funk. Después de 10 años de inactividad, el gurú inglés Gilles Peterson, fan reconocido del grupo, propone a Maunick (único líder del grupo tras la marcha de Williams a Finlandia) la grabación de un nuevo LP para su recién creado sello Talkin Loud, lo que deriva en la edición del segundo trabajo de Incognito, el magnífico Inside life, de 1991, un clásico en el que se dieron cita algunos de los mejores músicos de la rica escena británica.
A partir de ese momento la obra de Incognito no ha parado de crecer a un ritmo impresionante, de tal modo que todos los años llega a las tiendas alguna novedad del grupo británico. Tribes vibes and scribes, de 1992, fue la primera colaboración de la cantante Maysa Leak, un álbum en el que se incluye la brillante versión del clásico de Stevie Wonder Don’t you worry ‘bout a thing, un éxito tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, aunque su mayor éxito comercial hasta el momento es su cuarto disco, Positivity (1993). Su discografía sigue creciendo con 100 and rising (1995), Beneath the surface (1996), Remixed (1996), un disco con remixes de los temas de Incognito a cargo de artistas como Masters At Work, Roger Sanchez o David Morales, Blue moods (1997), recopilación de los mejores temas instrumentales, Last night in Tokyo, live 1996 y Greatest hits (1998 ), No time like the future (1999), Future remixed, con remixes de Jazzanova, Blaze, Masters At Work y United Future Organization, entre otros, y The best of Incognito (2000) y Life stranger than fiction (2001). Hasta aquí duró su época en el sello Talkin Loud, ya que su noveno álbum de estudio, Who needs love, del 2002 (en el que contó con la colaboración vocal del brasileño Ed Motta), fue editado por Rice Records, el sello creado por el propio Jean-Paul Maunick, con distribución de Dome Records. Su discografía se completa con Love x love. Who needs love remixes (2003), con remezclas a cargo de artistas como Kyoto Jazz Massive o Danny Krivit, Aventures in black sunshine (2004), con Eleven, su undécimo álbum de estudio, en las tiendas desde el 31 de Octubre del 2005, que acaba segundo en los I Premios Acid Jazz Hispano 2005, y con Feed your soul, un disco con remixes de temas de Incognito y de artistas del sello Rice Records. A finales del 2006 edita Bees + things + flowers, trabajo nominado en los II Premios Acid Jazz Hispano 2006 como Mejor Álbum. Su decimotercer álbum, Tales from the beach, llega el 5 de Mayo del 2008.
La Fania se creó en 1964 pero fue en 1968 cuando Jerry Masucci y Johnny Pacheco deciden crear el sello para agrupar a toda la pléyade de artistas que integraron las filas de esta banda que sin duda, es la que más historia y tela que cortar tiene a la hora de la evolución de la música latina no solo en EE. UU., sino en todo el mundo.
Para grabar "Coro Miyare", de Johnny Pacheco, Jerry Masucci encargaría a Jay Chattaway el proyecto "Spanish Fever" en 1978, con una costosa producción para la que se contrataron a geniales músicos como Maynard Ferguson, Eric Gale, Hubert Laws, David Sanborn, entre otros. El tema, sabroso y rítmico, comienza con un inolvidable y suntuoso sonido de percusión y coros que van siendo atravesados por sensitivos violines hasta marcar con el bajo y los bongós, cencerros y trompetas el afiatado coro que sirve como pretexto para la descarga.
La grabación tuvo sus altibajos pra poder grabarla porque si bien gran parte de los músicos de Fania eran disciplinados a la hora de tocar y ensayar, hubo otros que no. A pesar de que Roberto Roena estaba dentro del grupo de los disciplinados, se presentaron momentos en los que Roena no llegaba a la grabación o estaba muy “volado” para la ejecución. Sin embargo, queda para la historia el solo inigualable de bongós que Roberto Roena hizo en la producción. "Coro miyare", por su sabrosura y despliegue, se convertiría en el acostumbrado tema de cierre de los conciertos de Fania por muchos años y su registro en Spanish Fever lo ubica no solo en un disco de colección y clásico musical de la salsa, sino en una canción de culto para los melómanos salseros del mundo.
Originalmente esta pieza de Chano Pozo, Gill Fuller y Dizzy Gillespie fue grabada en 1948 por James Moody con su grupo Los Modernistas. El mismo Chano Pozo grabaría las congas con Moody antes de que Moody partiera a Europa para radicarse en ese continente. Por falta de recursos, la grabación se quedaría en la gaveta y después del asesinato de Chano Pozo en diciembre de 1948, Gillespie retomaría la pieza para grabarla en 1951.
Muchos años después la interpretaría con la “Orquesta de la Naciones Unidas” que conformó con músicos de distintas nacionalidades y que en ella destacan los nombres de: Giovanny Hidalgo en las Congas, Ed Cherry en la guitarra, Danilo Pérez en el piano, John Lee en el bajo, Airto Moreira en la percusión, Ignacio Berroa en la batería, Arturo Sandoval y Claudio Roditi en las trompetas, Slide Hampton y Steve Turre en los trombones, junto a Mario Rivera, Paquito de Rivera y James Moody en los saxofones, éste ultimo (Moody) formó parte de la banda de Gillespie en 1947-1948 donde también Chano Pozo formaba parte de ella. El resultado es esta obra maestra que no solo deja como testimonio el talento combinado de Chano Pozo y Gillespie, sino una pieza que se fraguó al calor de una gira que Chano Pozo comenzó con la Orquesta de Gillespie en EE.UU y que complementaría en su concepto en una gira por Europa que comenzaría en Estocolmo, Suecia en 1947.
Es una vocalista venezolana y española, residenciada en la ciudad de Medellín, Colombia, cuyos estudios de técnica vocal han estado a cargo de los Maestros Lina Brando, Humberto Diez (técnica rusa), César Muñoz y Pedro Salas (técnica italiana) en Caracas durante 22 años, combinados, ininterrumpidamente, con la grabación de jingles por más de 17 años par alas distintas marcas y franquicias de Venezuela y el mundo. Recibió “Master Classes” con David Sorrin Collyer en New York (técnica broadway), maestro de Liza Minelli y Tony Bennet; y en Madrid, con Helena Vallalta de la Escuela Superior de Canto; en Medellín, con las Sopranos Sandra Caicedo y Heli Cortés, y la Mezzosoprano Yenny Lorena Restrepo. Graduada en la Universidad EAFIT de Medellín, como Profesional de Música con énfasis “Canto Jazz” a cargo de los Maestros Claudia Gómez, Sam Farley y León Giraldo. Actual miembro de la Academia Latina y Norteamericana de Artes y Ciencias de la Grabación LARAS y NARAS (GRAMMY®).
Ha compartido el escenario con grandes de la canción tales como Gilberto Santa Rosa, Mercedes Sosa, Rafa Galindo y Leny Andrade (la dama del Brazilian Jazz). En Venezuela, con Otilio Galíndez, María Rivas, Aldemaro Romero, Henry Martínez, y la mayoría de los artistas nacionales.
Contando ya con once (11) producciones discográficas, fue nominada al Premio Nacional del Artista como “Revelación Musical del Año 2000” por su primer álbum “Brasil en Blanco y Negro”.
Las primeras menciones del blues como un estilo definido datan de principios del finales del siglo XIX y principios del XX, por ejemplo, la canción de 1908 "I Got The Blues" de Antonio Maggio es la primera melodía registrada que emplea el término directamente, y la primera grabación por una cantante de color es "Crazy Blues" de Perry Bradford, cantada por Mamie Smith en 1920. Si bien el blues comenzó a desarrollar varias vertientes, hay elementos que todas sus versiones comparten debido la idiosincrasia que lo caracteriza. Entre las variantes más reconocibles están el Delta blues, Chicago blues, boogie woogie, New Orleans blues y Memphis blues.
El blues es considerado el padre del rock y ha sido el responsable de impregnar los corazones de múltiples músicos famosos. En términos generales, se define al blues como el estilo musical que se originó a partir de la migración africana durante el esclavismo en América del norte y se distingue por acordes de guitarra melancólicos y crudos, además de letras que narran peripecias de la vida rural y urbana, el desamor y las injusticias sociales. La historia del blues se remonta a mucho antes de que los Rolling Stones, John Mayall y Eric Clapton exploraran y extendieran el género durante el periodo que se conoce como la "invasión británica", cuando la esclavitud y el racismo proliferaban en Norteamérica (más específicamente en el sur de Estados Unidos), y la música era una manera de lidiar con la marginación de la época. No fue hasta 1863 que Abraham Lincoln creó la Proclamación de Emancipación, liberando definitivamente a todos aquellos víctimas del esclavismo.
B.B King y Eric Clapton, son un ejemplo. Dos músicos que no necesitan mayor presentación puesto que han copado la escena musical por más de 7 decadas en el caso de King quien falleció en el 2015 y en el caso de Clapton, más de 50 años deleitandonos con su guitarra y su estilo.
En el mes de Marzo de 1.991, la vida del saxofonista Stan Getz , se extingue lenta pero inexorablemente. Consciente de que el desenlace está próximo, elige el mítico Club Montmatre de Copenhague, tan querido para él para protagonizar una emocionante despedida en compañia del pianista Kenny Barron. Durante el día recibe las atenciones de una enfermera que se ha desplazado con el músico; por la noche, nos dice adios para siempre. El album se llama PEOPLE TIME y es uno de los momentos mas conmovedores de la historia del Jazz.
Tras colaborar en 1972 con Elton John en su disco Honky Chateau, Ponty comenzó a usar su ahora conocido violín eléctrico. A fines de la década de 1960 y mediados de la década de los 80 comenzó a utilizar el Violectra, un violín eléctrico modificado de cuatro cuerdas con una octava más baja. Con posterioridad ocupó otra versión del Violectra, de seis cuerdas, y con las notas C y F más bajas.
Ponty fue pionero en la combinación del violín con MIDI, cajas de distorsión, pedales wah-wah, entre otros, lo que le permite obtener un sonido parecido a un sintetizador.
Corea empezó a tocar el piano a la edad de cuatro años; sus primeras influencias en el jazz fueron Horace Silver y Bud Powell. Fue adquiriendo experiencia tocando en las bandas de Mongo Santamaría y Willie Bobo (1962-1963), Blue Mitchell (1964-1966), Herbie Mann, y Stan Getz. Su primera grabación como líder fue en 1966, Tones for Joan's Bones, y su álbum en trío en 1968 (con Miroslav Vitous y Roy Haynes) Now He Sings, Now He Sobs se considera ya un clásico. Después de un breve intervalo de tiempo con Sarah Vaughan, Corea formó parte del grupo de Miles Davis para reemplazar gradualmente a Herbie Hancock, y permaneció con Davis durante un periodo muy importante de la banda (1968-1970). Persuadido por Davis, comenzó a tocar el piano eléctrico, y podría oírse en álbumes como Filles de Kilimanjaro, In a Silent Way, Bitches Brew y Miles Davis at the Fillmore. Cuando dejó a Davis, Corea comenzó a tocar jazz de vanguardia con su grupo Circle, cuarteto con Anthony Braxton, Dave Holland y Barry Altschul. Lo hizo hasta finales de 1971, cuando de nuevo cambio su estilo eléctrico: al dejar Circle, Corea tocó brevemente con Stan Getz y luego formó Return to Forever, un grupo de jazz fusión, con Stanley Clarke, Joe Farrell, Airto Moreira y Flora Purim. En un año, Corea (con Clarke, Bill Connors, y Lenny White) convirtió Return to Forever en un grupo que practicaba una fusión enérgica. Tras una breve estancia de Earl Klugh para las actuaciones, el guitarrista Al Di Meola sustituyó a Connors en 1974. Aunque la música del grupo tenía una fuerte inspiración roquera, sus improvisaciones eran marcadamente jazzísticas, y el estilo de Corea podía reconocerse incluso entre toda la electrónica. Cuando RTF desaparece a finales de los 70s, Corea mantuvo el nombre para algunas actuaciones de big band al lado de Clarke. Durante los años siguientes, profundizó en el piano clásico con una gran variedad de planteamientos: giras a dúo con el vibrafonistaGary Burton y con Herbie Hancock, un cuarteto con Michael Brecker, tríos con Miroslav Vitous y Roy Haynes, homenajes a Thelonious Monk, e incluso algo de música clásica.
En 1985, Chick Corea formó un nuevo grupo, The Elektric Band, integrado por el bajista John Patitucci, el guitarrista Scott Henderson (en el primer disco de la banda, luego reemplazado definitivamente por Frank Gambale), el saxofonista Eric Marienthal y el baterista Dave Weckl. Para equilibrar su música, años más tarde formó su Akoustic Band con Patitucci y Weckl. A principios de los 90, Patitucci formó su propio grupo y el personal cambió, pero Corea continuó liderando interesantes grupos (incluido un cuarteto con Patitucci y Bob Berg). Durante 1996-1997, Corea formó parte de un quinteto estelar en el que estaban Kenny Garrett y Wallace Roney y que tocaba versiones actualizadas de composiciones de Bud Powell y Thelonious Monk, a la vez que mantenía un sexteto llamado "Origin", que incluía al contrabajista Avishai Cohen.Ha colaborado con Paco De Lucía.
Integrado por los italianos, Filippo Clary y Max Bottini, la música de Gabin es fundamentalmente bailable. Si bien tienen un toque de electro-jazz y jazz-house, sus temas gozan de un sonido adictivo y pegajoso, disfrutado por un grupo bastante heterogéneo en la pista. Alegría, buena onda y una sensación de bienestar, quedan en evidencia en Into My Soul (Featuring Dee Dee Bridgewater).
Gabin incluye canciones que destilan melancolía, y un sabor de antaño combinado con lo mejor de la electrónica contemporánea. La mixtura entre Clary, afamado Dj de Roma, experto en música de baile y chill-out- y Bottini - prestigioso intérprete del contrabajo- da como resultado una de las propuestas más estimulantes del electro-jazz. Según Max, “era la primera vez que componíamos algo sin pensar en que tenía que ser comercial o popular, sin pensar en ningún mercado. Lo hicimos simplemente por diversión y por amor a la música, que ha sido siempre nuestra vida. Gabin fue lo que surgió”. Parte de este éxito se debió a uno de los singles, Doo Uap, Doo Uap, Doo Uap, un tema de jazz-house que llegó a ser el tercero más vendido de Italia. Este fabuloso tema, uno de los mejores de electro-jazz jamás compuestos, además de utilizarse en numerosos anuncios y sonar frecuentemente en clubes y en la radio, atrajo la atención de numerosos oyentes, que se interesaron por la música de este excelente dueto italiano.
Una de las imágenes mas románticas de la historia del jazz: la solitaria silueta de un gigantesco saxofonista de nombre Sonny Rollins se recorta noche tras noche contra el skyline de Nueva York, sobre el puente de Williamsburg que une Manhattan con Brooklyn. Su saxo desgrana tristes lamentos durante un voluntario retiro de la escena que duraría 3 años. La explicación es, no obstante, irónicamente prosaica: los vecinos de su pequeño apartamento de dos habitaciones no le dejan practicar en casa. El resultado es un magnífico disco titulado, naturalmente, THE BRIDGE (RCA)
Kyoto Jazz Massive es un dúo japonés formado por los hermanos Shuya y Yashihiro Okino. Es uno de los grupos más importantes de la historia del nu-jazz, uno de los que han definido el estilo, los que han determinado su evolución y han escrito algunas de sus más memorables páginas. De su trabajo de producción a cuatro manos han salido algunos de los temas más brillantes e importantes del estilo, así como un álbum que va a quedar como un clásico imprescindible del género. Su música es una fusión del jazz-fusion de los 70 y 80, la bossa-nova y la electrónica, dando lugar a producciones entre nu-jazz, jazz-house, broken beat y latin house. Tiene la cualidad de que sus temas pueden sonar en los clubs, como integrantes de sets de baile, pero también son ideales para ser escuchados en casa, activamente, disfrutando del talento del dúo para crear el groove del siglo XXI. Evidentemente, no es ya que sea recomendable (eso lo doy por supuesto), sino que si no se conoce su discografía difícilmente uno puede considerarse un aficionado serio de la blacktrónica, de la fusión de electrónica y música negra.
Shuya y Yoshihiro Okino iniciaron su carrera como DJs en Kyoto, a finales de los 80, influenciados por el movimiento de Rare Grooves proveniente de Londres. También entraron en contacto con la escena acid jazz, gracias a los viajes de figuras londinenses a Japón, entre ellas, Gilles Peterson que, en un artículo en la revista británica Straight No Chaser llamó a los hermanos Okino “Kyoto Jazz Massive”: y así nació su nombre. El hermano mayor, Shuya, se instaló en Kyoto, donde fue manager de Monday Michiru y Mondo Grosso. Además, impulsó la escena jazzística de la ciudad como DJ residente del conocido club The Room. Allí han pinchando, en el último decenio, grupos y artistas como United Future Organization, Chari Chari, Jazztronik, Kenny Dope, Patrick Forge, Trüby Trio, Jazzanova, Vikter Duplaix, Alex Attias y Makoto and Muro, entre otros. Pero su actividad musical se extiende también al campo editorial: creó la revista bilingüe Quality! y escribió el libro How to be a good DJ. Ha organizado el Toyyo Crossover/Jazz Festival, ha fundado y dirigido el sello Quality! Records y para finales del 2006 está prevista el inicio de la actividad de su nuevo sello, Black Finger. Un chico completo.
El hermano pequeño, Yoshihiro, por su parte, anima la escena jazzística en el Oeste, en Osaka, dónde dirige el evento Freedom Time, mientras en Tokyo hace lo proprio con las noches denominadas Cool to Kool. Él ha requerido los servicios como DJs de Rainer Trüby, Jazzanova, Patrick Forge, Da Lata, Joe Davis, Phil Asher, Modaji o Victor Davies, por nombrar sólo algunos. Ha fundado la tienda de discos Especia Records, en la que pueden encontrarse todo tipo de rarezas relacionadas con la música brasileña, así como el sello de mismo nombre, en activo desde el 2000, destacado, sobre todo, por haber descubierto en Occidente al artista Hajime Yoshizawa y a su grupo actual, Sleep Walker.
Su carrera discográfica se inicia con la compilación Kyoto Jazz Massive, editada en Japón en 1994 (y reeditada un año después en Alemania). Siguieron una serie de singles en el sello germano Compost Records, dos compilaciones (las dos entregas de la serie Crossbreed), un álbum que va a quedar como un clásico imprescindible: Spirit of the sun (2002), y la primera entrega de la serie Fueled for the future (2003). Desde entonces han producido remixes para artistas como Incognito, Nicola Conte o Jazzanova y han celebrado su décimo aniversario con la edición de tres álbumes: For KJM (2004), un recopilatorio de temas producidos como homenaje al dúo japonés, Re KJM (2004), un recopilatorio de versiones de sus temas, y By KJM (2005), un recopilatorio con sus mejores remixes. También en el 2005 dan inicio a una serie de compilaciones denominadas Kyoto Jazz Classics, dedicadas a tres de los más importantes sello estadounidenses de jazz: Blue Note, Impulse! y Fantasy Records. Las compilaciones, Dazzling blue, Spellbinder, Succession of spirit y Mysterious vibes se editan entre Septiembre y Noviembre del 2005. Ya en el 2006 el sello Compost Records prolonga la celebración del décimo aniversario del dúo con la salida del doble CD 10th anniversary, y en Junio llega a las tiendas el primer recopilatorio del sello Especial Records, Essence of especial, compilado por los hermanos Okino.
Koop es un dúo sueco (Magnus Zingmark y Oscar Simonsson) de amantes del jazz, del house, del sonido techno de Detroit y del hip hop. Su música es jazz electrónico, un jazz pop muy accesible, easy listening de calidad, muy agradable, apto para oídos profanos en el mundo del jazz electrónico. Su principal inspiración proviene del jazz, especialmente en el caso de Oscar Simonsson, influenciado por la música de John Coltrane, y por el hip-hop (caso de Magnus Zingmark). El resultado es una música jazz, apoyada por la electrónica (ellos dicen que no hacen electrónica con un toque de jazz, sino música jazz con un envoltorio electrónico), cercana a la sonoridad del jazz clásico, pero con elementos modernos. Algo así como un jazz retro-futurista. Sin duda, uno de los grupos más importantes del nuevo jazz, de los que deben figurar en la videoteca de todo buen aficionado: absolutamente imprescindibles.
Los suecos se conocieron en Upsala, en la universidad. A ambos les resultó poco interesante el órgano Hammond, por lo que, una vez instalados en Estocolmo, decidieron unir sus fuerzas para hacer, junto a una serie de colaboradores, una música que le devolviera al jazz sueco el esplendor que había perdido en los últimos años. Debutaron en 1997, con el lanzamiento de Sons of Koop, que inmediatamente les situó en el mercado internacional, sorprendiendo agradablemente a la crítica y a los primeros seguidores del Acid jazz. Este trabajo reúne las características de la música posterior de Koop, con temas de corta duración que dan lugar a un álbum corto. Esto se debe a que el dúo sueco no está a favor del estándar de los larga duraciones de 70 minutos, por lo que prefiere entregar trabajos de menor duración pero con mayor calidad: más intensos (como en los LPs clásicos). Cuatro años más tarde salió a la venta Waltz for Koop, su segundo álbum, con el que perfeccionaron su jazz electrónico de corte clásico. Un trabajo considerado, por el gurú de la radio inglesa, Gilles Peterson, como el mejor álbum del 2001. La sonoridad está más próxima del jazz que su anterior trabajo, más cercano a la estructura pop. En cualquier caso, es uno de los grandes álbunes de nu-jazz, de los que hay que conocer. En el 2003 llegaba a las estanterías de las tiendas Waltz for Koop. Alternative takes, con versiones de los temas de Waltz for Koop, a cargo de artistas y grupos como Nicola Conte (que entrega un remix de Tonight a la altura del original), Dorfmeister vs. Madrid De Los Austrias, 2 banks of 4, Carlito, Markus Enochson o D’Malicious. No es el álbum ideal para descubrir al dúo sueco, pero sí puede ser interesante para los que ya conozcan los anteriores trabajos de Koop y no puedan esperar al siguiente álbum, además de ser uno de los mejores recopilatorios de remezclas. Es interesante independientemente de si disfrutaste o no con Waltz for Koop. Su esperadísimo tercer álbum de estudio, Koop islands, llega el 2 de Octubre del 2006, de la mano de Compost Records y Studio !K7.
El pianista y saxofonista de música jazz, Billy Tipton, famoso entre 1940 y 1960, se casó tres veces pero nunca tuvo hijos con sus esposas porque decía que tenía una “vieja herida de guerra” que lo había deshabilitado para poder hacerlo. Hasta el momento de su muerte, ni sus esposas ni sus hijos adoptivos se dieron cuenta que en realidad Billy Tipton era una mujer que se hacía pasar por hombre. – But Beautiful, una serie de directos de trío del pianista Bill Evans en el año 1974: Eddie Gómez (contrabajo) y Marty Morell (batería), con la compañía del magnífico saxofonista Stan Getz. Había un tema que me llamaba la atención porque solo escuchaba al saxo con la batería y el contrabajo. De hecho, lo que más me descolocaba era que Bill Evans solo tocaba durante unos escasos compases.
Jamiroquai es una banda británica liderada por su vocalista Jay Kay, máximo exponente del funk y acid jazz creada en 1992. Sus discos posteriores han ido explorando ritmos un tanto más electrónicos, dance y pop. Hasta el momento la banda ha logrado vender más de 35 millones de álbumes en todo el mundo.
El nombre "Jamiroquai" surge de la unión del nombre de la tribu indígena norteamericana de los iroqueses, con la cual Kay dice identificarse, y el término Jam, proveniente de la palabra "jamming" que es una sesión de improvisación musical.
Todo comenzó cuando Jay Kay se presentó a una audición para cantante de la banda Brand New Heavies, sin ningún éxito. Tiempo más tarde decidió formar su propia banda y llamarla Jamiroquai"con la cual grabó su primer sencillo, llamado "When You Gonna Learn?" que salió al mercado en 1992 con el sello Acid jazz, propiedad de Eddie Piller.
Traveling without moving
La entrada al gran público y la llegada de la fama mundial llega con su tercer álbum, titulado Travelling Without Moving, el disco más vendido de la banda, de 1996, con 11 millones de copias en todo el mundo, y es aparte el disco Jazz y el disco Funk más vendido en toda la historia. Este álbum genera dos éxitos mundiales, los cuales son "Virtual Insanity", canción que abre el disco y que es el punto fuerte del álbum y "Cosmic Girl", una maravilla del acid Jazz, y junto a otros temas como "Alright", canción famosa por el coro en especial, además fue usado por la banda en su presentación en el programa humorístico norteamericano Saturday Night Live. La gran sorpresa llega en 1997, cuando el single "Virtual Insanity" se lleva 4 premios en los MTV Video Music Awards entre ellos Mejor Video del Año y Mejor Cinematografía. El video también entro entres los 100 mejores videoclips de la historia de MTV, en latinoamérica puesto 28 y en el puesto 9 de todos los MTV en su historia ya que fue un ranking mundial. El resto es historia.............
