Le dicen BENSON.....

George Benson (Pittsburgh, 22 de marzo de 1943) es un guitarrista estadounidense de jazz; ha hecho también algunas exitosas aportaciones al jazz vocal (su voz es grave y su canto similar en su manierismo al de artistas como Stevie Wonder y Donny Hathaway). Se trata de uno de los artistas de jazz más populares de las últimas décadas, habiendo recibido además encendidos elogios por parte de la crítica.



Niño virtuoso de la guitarra, grabó su primer single "It should have been me" a la edad de los 10 años. Su música ha abarcado tanto el swing y el bop como el hard bop, el quiet storm y la fusión del jazz con el pop y el soul; en Benson se pueden reconocer las influencias de Charlie Christian y Wes Montgomery. Es un guitarrista con un gran dominio de la velocidad de ejecución y del swing.



Benson comenzó su carrera artística como cantante, actuando en nightclubs a los ocho años y grabando cuatro caras para el sello X de RCA en 1954; formó también una banda de rock a los 17 en la que ya tocaba la guitarra. Su audición de las grabaciones de Christian, Montgomery y Charlie Parker le llevaron a interesarse en el jazz y, hacia 1962, empezó a tocar en la banda de Brother Jack McDuff. Tras formar su grupo en 1965, Benson grabó dos discos de soul jazz y hard bop para Columbia y colaboró en otros discos con artistas como Miles Davis, en Miles in the Sky. Firmó con Verve en 1967 y, tras la muerte de Montgomery, el productor Creed Taylor le hizo grabar con grandes conjuntos en A&M (1968-1969) y CTI (1971-1976).



Estos discos le convirtieron en una estella dentro del mundo del jazz, popularmente empezó a adquirir resonancia tras prodigarse más en lo vocal tras firmar con Warner Bros. en 1976. Su primer disco para esta compañía, Breezin', se convirtió en un éxito gracias a su solo vocal en la canción "This Masquerade" lo que le llevó a frecuentar la fusión con el pop, cuya culminación fue el disco producido por Quincy Jones, Give Me the Night (1980). Durante los ochenta frecuentó material comercial dejando su guitarra únicamente como acompañamiento. A finales de los ochenta, volvió a terrenos jazzísticos grabando un disco de estándares, Tenderly, y otro con la banda de Basie, en los que su guitarra volvió a tener protagonismo. Su oscilación entre el jazz y el pop ha sido frecuente desde entonces....



Discografía
1964: George Benson/Jack McDuff
1964: The New Boss Guitar
1965: Benson Burner
1965: It's Uptown
1966: The George Benson Cookbook
1966: Willow Weep for Me
1967: Blue Benson
1968: Giblet Gravy
1968: Goodies
1969: Shape of Things to Come
1969: Tell It Like It Is
1969: The Other Side of Abbey Road
1970: I Got a Woman & Some Blues
1971: Beyond the Blue Horizon
1972: White Rabbit
1973: Jazz on a Sunday Afternoon, Vol. 1
1973: Jazz on a Sunday Afternoon, Vol. 2
1973: Witchcraft
1974: Body Talk
1975: Bad Benson
1976: Good King Bad
1976: Benson & Farrell
1976: Breezin'
1977: In Concert-Carnegie Hall
1977: In Flight
1978: Space Album
1978: Weekend in L. A.
1979: Livin' Inside Your Love
1979: Take Five
1980: Cast Your Fate to the Wind
1980: Give Me the Night
1981: GB
1981: The George Benson Collection
1983: In Your Eyes
1983: Pacific Fire
1984: 20/20
1984: Live in Concert
1985: The Electrifying George Benson
1986: While the City Sleeps...
1987: Collaboration (con Earl Klugh)
1988: Twice the Love
1989: Tenderly
1990: Big Boss Band
1991: Midnight Moods
1992: The Essence of George Benson
1993: Love Remembers
1994: The Most Exciting New Guitarist on the Jazz Scene
1995: The Best of George Benson
1996: California Dreamin'
1996: Lil Darlin'
1996: That's Right
1998: Standing Together
1998: Masquerade
1999: The Masquerade Is Over
2000: Live at Casa Caribe
2000: Absolute Benson
2001: All Blues
2002: Blue Bossa
2002: After Hours
2003: Irreplaceable
2003: The Greatest Hits of All
2004: Golden Legends Live
2005: Jazz After Hours with George Benson
2005: Best of George Benson Live
2006: Givin' It Up (con Al Jarreau)
2007: Live from Montreux
2009: Songs And Stories

Teclado y Trombon...Es Brian Culbertson

Brian Culbertson (nació el 12 de enero de 1973) es un músico de smooth jazz procedente de Decatur, Illinois, Estados Unidos. Es el hijo de Jim Culbertson, trompetista y director de una banda de jazz. Brian toca el teclado y el trombón.

Ha estado enormemente influenciado por el funk, y gran parte de su trabajo está basado en el funk y en sus instrumentos característicos, pero en los últimos años ha trabajado con cantantes como Trey Lorenz o Kenny Lattimore para agregarlos en sus obras.




Culbertson, hasta ahora, ha sacado ocho discos. Los primeros tres discos los sacó junto con el sello musical Blue Moon, después se cambió a Atlantic, con el que sacó tres discos más. El séptimo lo sacó a la venta con Warner Jazz, y finalmente se cambió a GRP para su último proyecto en el 2005.



Brian Culbertson también trabajó y colaboró con otros músicos de jazz, a veces como compositor y otras haciendo arreglos. Brian ha trabajado con Dave Koz, Richard Elliot y Michael Lington

Discografia

Long Night Out (1994)
Modern Life (1995)
After Hours (1996)
Secrets (1997)
Somethin' Bout Love (1999)
Nice & Slow (2001)
Come on Up (2003)
It's On Tonight (2005)
Bringing back the Funk (2008)

Un Cubano de nombre....Cachao

Israel "Cachao" López (La Habana, 14 de septiembre de 1918, Coral Gables - 22 de marzo de 2008, Miami), a menudo conocido simplemente como "Cachao", fue un músico y compositor cubano. Se convirtió en una leyenda de la música cubana con su magistral manejo del contrabajo y se destacó por sus actuaciones musicales en el mambo y el jazz latino. Su talento lo llevó a obtener dos premios Grammy (en 1995 y 2005), un Grammy latino en 2003, el título de Doctor Honoris Causa otorgado por la Universidad de Berkeley y una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Ha sido descrito como "el inventor del mambo". Se le considera un maestro de la descarga (improvisaciones en vivo).



Comenzó tocando distintos instrumentos, hasta que se quedó con el contrabajo, que le permitió, siendo un adolescente, ingresar en la Orquesta Filarmónica de La Habana, donde tocaban su padre y su hermano mayor. "Cachao" salió de Cuba en 1962 con una larga lista de éxitos y aseguró en una entrevista concedida el 2007 que si no fuera por su compatriota y colega Dámaso Pérez Prado "no se hubiera escuchado el mambo mundialmente". Su primera parada fue Madrid, donde permaneció un año antes de emigrar a Estados Unidos. En ese país residió en las ciudades de Nueva York, Las Vegas y Miami.

López también tocaba el bajo acústico con su hermano, el multi-instrumentista Orestes López. Ambos compusieron literalmente más de 3.000 canciones juntos y fueron muy influyentes en la música cubana desde los años 1930 a la década de 1950. Crearon el "nuevo ritmo" hacia fines de los años 1930, el cual transformó el danzón mediante la introducción de ritmos africanos en la música cubana, que llevó al mambo.



Ganó varios premios Grammy tanto por su propio trabajo y sus contribuciones en álbumes de estrellas de la música latina, incluyendo a Gloria Estefan. En 1995, ganó un Grammy por Master Sessions Volumen 1. En 2003, ganó un Grammy Latino al Mejor Álbum Tropical Tradicional Latina junto con Bebo Valdés y Patato por El Arte Del Sabor. Volvió a ganar un Grammy en 2005 por su trabajo ¡Ahora Sí!.

Su sobrino, Orlando "Cachaíto" López se convirtió en uno de los pilares del famoso Buena Vista Social Club.



Cachao tocó con artistas como Tito Puente, y su música ha aparecido en películas como La jaula de las locas, y la banda sonora del videojuego Grand Theft Auto: Vice City. El actor Andy García produjo un documental titulado Cachao ... Como Su Ritmo No Hay Dos en 1993 acerca de su música. También compartió escenarios con Celia Cruz y su esposo Pedro Knight, así como con el trombonista Generoso Jiménez. Su última colaboración musical la realizó con Gloria y Emilio Estefan en el álbum de la cantante titulado 90 Millas.

López falleció en la mañana del 22 de marzo de 2008 en Coral Gables, Florida, a la edad de 89 años, producto de complicaciones tras una insuficiencia renal.

4 Grandes....FOURPLAY

El grupo estelar de jazz/pop, Fourplay, lo formaron en 1991 Bob James (teclados), Lee Ritenour (guitarra), Nathan East (bajo) y Harvey Mason (batería) después de colaborar en el álbum de Bob James, “Grand Piano Canyon”, y editaron su álbum homónimo de debut ese mismo año. Fue seguido por los trabajos “Between the Sheets” (1993) y “Elixir” (1994), que se vendieron bien y demostraron que se puede vender jazz si se le da un toque sexy. Desde el lanzamiento de “4” en 1998, Larry Carlton es el guitarrista de la banda que, sin bajar la calidad, le da un giro al estilo de la misma.



Nominado al Grammy la superbanda Fourplay ha tenido un éxito artístico y comercial coherente por su injerto de elementos del R & B y del pop a sus bases de jazz inquebrantables. En un lapso de dieciocho años y once discos, el cuarteto ha seguido explorando las dimensiones ilimitadas y permutaciones de jazz, mientras que al mismo tiempo apelando a un público general mucho mas amplio.



Fourplay recibio el honor del Congreso de los Estados Unidos y de la Cámara de Representantes al reconocerlos como miembros distinguidos de la industria de la música. Fourplay es el único grupo musical de la historia en ser reconocido por el Congreso de los EE.UU.



Discografia
Albums
Fourplay 1991
Between the Sheets 1993
Elixir 1995
The Best of Fourplay 1997
4 1998
Snowbound 1999
Yes, Please 2000
Heartfelt 2002
Journey 2004
X 2006
Energy 2008

DVD
Fourplay - An Evening of Fourplay: Volumes I and II, 120 min, 2005
Fourplay in Cape Town, 82 min, 2009

Jean Luc Ponty.... el Violin del Jazz Contemporaneo

Jean-Luc Ponty es un violinista de rock y jazz francés. Nació en la ciudad de Avranches, Francia el 29 de septiembre de 1942. Se capacitó como violinista profesional en el "Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris". Su interés hacia el jazz fue impulsado por la música de Miles Davis y John Coltrane. Ha tocado con la Orquesta Mahavishnu, y también con Frank Zappa. Es muy conocido por su violín eléctrico el cual le da una impronta especial, casi como el sonido de un sintetizador.



Jean-Luc Ponty es hijo de un profesor de violín, con quién comenzo su aprendizaje del instrumento antes de que ingresara al Conservatorio de París.

En 1967 visitó el Festival de Jazz de Monterey. Tras ello, trabajó con Stéphane Grappelli, the Mahavishnu Orchestra y Frank Zappa. La especial impronta que le otorga su violín lo hizo un artista popular del jazz fusion de la década de 1970.



Tras colaborar en 1972 con Elton John en su disco Honky Chateau, Ponty comenzó a usar su ahora conocido violín eléctrico, con la cuerda C más baja. A fines de la década de 1960 y mediados de la década de los 80 comenzó a utilizar el Violectra, un violín eléctrico modificado de 4 cuerdas con una octava más baja. Con posterioridad ocupó otra versión del Violectra, de 6 cuerdas, y con las notas C y F más bajas.

Ponty fue pionero en la combinación del violín con MIDI, cajas de distorsión, pedales wah-wah, entre otros, lo que le permite obtener un sonido parecido a un sintetizador.



Entre mediados y fines del 2004 se reunió con la formación de The Rite of Strings, con los que realizó una gira por Estados Unidos y Canadá. En los años posteriores se han reunido de forma esporádica. En 2005, formó el supergrupo de jazz fusion Trio! con Stanley Clarke y Béla Fleck. Entre sus discos más destacados están Imaginary Voyage (1976), Aurora (1976), Cosmic Messenger (1978), Mystical Adventures (1982), Individual Choice (1983), Open Mind (1984), Fables (1985), The Gift of Time (1987) y Storytelling (1989).

En 2007 lanzó The Atacama Experience. Entre ese año y 2009 ha estado de gira por todo el mundo presentando su nueva producción.

Discografía de Jean-Luc Ponty

Upon the Wings of Music (1975)
Imaginary Voyage (1976)
Aurora (1976)
Enigmatic Ocean (1977)
Cosmic Messenger (1978)
A Taste for Passion (1979)
Civilized Evil (1980)
Mystical Adventures (1982)
Individual Choice (1983)
Open Mind (1984)
Fables (1985)
The Gift of Time (1987)
Storytelling (1989)
Tchokola (1991)
No Absolute Time (1993)
Life Enigma (2001)
The Atacama Experience (2007)

La Rosa Blanca del Jazz

Eleanora Fagan Gough (Filadelfia, 7 de abril de 1915 - Nueva York, 17 de julio de 1959), conocida como Billie Holiday y apodada Lady Day, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, está considerada entre las más importante e influyentes voces femeninas del jazz.

El tema “Strange Fruit” fue considerado como la mejor canción del Siglo XX, por la revista “Time” en 1999.



El valor artístico de Billie Holiday reside en su capacidad interpretativa, en su dominio del swing y en la adaptación de sus cualidades vocales al contenido de la canción. Billie Holiday transmite a sus canciones una intensidad inigualable que, en muchos casos, es fruto de una traslación de sus vivencias personales a las letras cantadas. Esta personalización de lo cantado hace que su estilo esté muy vinculado a intérpretes clásicos de blues como Bessie Smith o Ma Rainey; también está clara su deuda, confirmada por ella misma, con Louis Armstrong (en su autobiografía dejó escrito: "Siempre quise el gran sonido de Bessie y el sentimiento de Pops") y, desde luego, con quien sería su principal acompañante: el saxofonista tenor y clarinetista Lester Young.
Los primeros años de Billie Holiday fueron difíciles; las consecuencias de las vivencias de sus primeros años se proyectaron como una carga negativa sobre toda su vida.

Nació en Filadelfia pero creció en Fells Point, un barrio de Baltimore. Su madre, Sadie Fagan, tenía sólo trece años cuando nació Billie; su padre Clarence Holiday, un guitarrista y bajista de jazz que tocó en la orquesta de Fletcher Henderson, tenía quince. Los padres de Billie nunca se casaron y él las abandonó cuando ella era todavía un bebé. Su madre, excesivamente joven para la responsabilidad, abandonaba con frecuencia a la niña con parientes de no muy buena reputación. Billie fue enviada a una escuela Católica a la edad de diez años, después de haber admitido ser violada. Aunque debería haber estado en la escuela hasta convertirse en adulta, un amigo de la familia la ayudó a escaparse dos años después. En 1927, madre e hija se marcharon primero a Nueva Jersey y después a Brooklyn. En Nueva York, además de ayudar a su madre en trabajos de ayuda doméstica, Billie empezó a ejercer la prostitución.

Hay controversia en referencia a la paternidad de Holiday. Esta controversia está generada por la copia de su certificado de nacimiento en los archivos de Baltimore, que muestran como padre a "Frank DeViese". Algunos historiadores consideran esto una anomalía, insertada probablemente por el hospital o trabajadores del gobierno (ver Donald Clarke Billie Holiday: Wishing on the Moon , ISBN0306811367). Clarence Holiday aceptó su paternidad pero fue a duras penas un padre responsable. Rara vez Billie lo veía, y si lo hacía, ella le pedía dinero amenazándolo con contarle a la novia de su padre que ella era su hija.

Hacia 1930-1931, Billie Holiday cantaba ya frecuentemente en varios clubes de Nueva York. Su popularidad empezó a cimentarse en 1933 cuando el productor John Hammond habló de ella públicamente en su columna de prensa y llevó a Benny Goodman a una de sus actuaciones. Después de la grabación de una prueba en los estudios de la Columbia, Billie se unió a un pequeño grupo de músicos dirigidos por Benny Goodman para hacer su debut comercial el 27 de noviembre de 1933 con la canción "Your Mother's Son-In-Law".

Estableciéndose en Harlem, Holiday comenzó a cantar informalmente en numerosos clubes. Alrededor de 1932 fue descubierta por el productor John Hammond en el club llamado Monette´s (aun hay algunas disputas entre historiadores acerca de quién fue el primero en escucharla y promoverla, aunque generalmente coinciden en que fue Hammond). Hammond dispuso varias sesiones para ella con Benny Goodman; su primer disco fue "Your Mother's Son-In-Law" (1933).



Fue por ese tiempo que tuvo sus primeros éxitos como cantante. El 23 de noviembre de 1934 cantó en el teatro Apollo recibiendo buenas críticas. Su presentación con el pianista y posterior amante Bobby Henderson hizo mucho para consolidar su prestigio como cantante de jazz y blues. Poco tiempo después Holiday empezó a presentarse regularmente en numerosos clubes en la calle 52 y en Manhattan.

Comparada con otras cantantes de jazz, Holiday tenía una tesitura limitada, de solo una octava. Ella compensó esa dificultad con un sentido rítmico implacable, una sutil expresión, y una inmediatez emocional. Más tarde trabajó con estrellas como Lester Young, Count Basie y Artie Shaw convirtiéndose en una de las cantantes negras de jazz de mayor reputación. Sin embargo tenía prohibido usar la entrada principal y debía esperar en un cuarto oscuro lejos del público antes de aparecer en escena. Explicaba el sentido del efecto dramático que presentaba en sus canciones diciendo: "Yo he vivido canciones como esa". Incluso cuando era joven y cantaba canciones triviales populares, su tono único y compromiso emocional hacían de su presentación algo especial.

Holiday fue aficionada a las drogas psicoactivas, usándolas durante casi toda su vida. Fumaba marihuana desde los doce o trece años de edad. Sin embargo fue la heroína la que la destruyó. No está claro quién fue el que introdujo a Holiday en las drogas, pero historiadores y fuentes contemporáneas coinciden en que comenzó su uso abusivo de intravenosas alrededor de 1940.



Los éxitos de Holiday fueron estropeados por la creciente dependencia a las drogas y el alcohol así como las relaciones abusivas. Esto afectó a su voz como también sus posteriores grabaciones: su espíritu joven fue reemplazado por un matiz de remordimiento pero a pesar de todo, su impacto en otros artistas es indudable. Incluso después de su muerte influyó en cantantes tales como Janis Joplin y Nina Simone. En 1972, Diana Ross actuó para la película “Lady Sings the Blues”, basada en la obra autobiográfica de Holiday. Todo el mundo quedó sorprendido, la película fue un éxito comercial y ganó la nominación de mejor actriz para Ross. En 1987, U2 lanzo “Angel of Harlem”, en tributo a ella.

Su vida personal fue tan turbulenta como las canciones que cantaba. Se casó con el trompetista Jimmy Monroe el 25 de agosto de 1941. Mientras aún estaba casada con Monroe, tuvo una relación con el trompetista Joe Guy. Finalmente, se divorció de Monroe en 1947 mientras también se separaba de Guy. El 28 de marzo de 1952, Billie se casó con Louis Mckay, un “Justiciero” de la mafia. Mckay, como muchos de los hombres de su vida, era violento pero trató de sacarla de las drogas. Ya estaban separados en el momento de su muerte.

Holiday declaró abiertamente su bisexualidad y se dieron rumores de su aventura con la actriz Tallulah Bankhead. Bankhead desmintió los rumores.

Sus últimas grabaciones en Verve son recordadas como las grabaciones Commodore y Decca de veinte años atrás. Varias de sus canciones como “God Bless the Child”, “I love you porgy” o “Fine and mellow” se han convertido en clásicos del jazz. La presentación de este tema, “Fine and mellow”, en el programa de la CBS The sound of the Jazz, fue memorable por la interpretación con su querido amigo Lester Young; ambos estaban a menos de dos años de su muerte.

Cuando presentó una canción en contra de los linchamientos, “Strange Fruit” (Abel Meeropol), con textos como “southern trees bear strange fruit” (los árboles sureños dan extrañas frutas) le dio un puesto destacado no sólo en la historia de la música sino también en la de Estados Unidos.

Fue arrestada por posesión de heroína y estuvo ocho meses en prisión. Su tarjeta para trabajar en los clubs de New York (la New York city cabaret card) fue revocada, lo que imposibilitó que trabajara en clubes durante los últimos doce años de su vida. Posteriormente fue víctima de una estafa sobre sus ganancias y murió con tan solo $0.70 en el banco y $750 en efectivo. Al final de mayo de 1959 fue hospitalizada por dolor en el hígado y problemas de corazón. Fue condenada a arresto domiciliario el 12 de julio por posesión de narcóticos; en 1959, la adicción a los narcóticos era considerada un crimen. Billie Holiday permaneció bajo la custodia policial hasta su muerte por cirrosis hepática el 17 de julio de 1959 a la edad de 44 años. Billie Holiday fue enterrada en el cementerio Saint Raymond en el Bronx de Nueva York.

La inconfundible voz de Billie Holiday cambió con el tiempo. Su primera grabación a mediados de 1930 mostró una voz infantil y llena de vitalidad. A inicios de 1940 su forma de cantar comenzó a ser más sugerente por su habilidad a la hora de interpretar. Fue por este tiempo cuando ella grabó su personal "Strange Fruit" y "I Cover the Waterfront". Muchos describieron su voz como cariñosa, dulce, desgastada, experimentada, triste y sofisticada. A medida que creció, los efectos de su abuso continuo a las drogas cambiaron considerablemente el registro de su voz convirtiéndola en algo más ronca. Su última gran grabación fue "Lady in Satin", lanzada en 1958 y revelaba a una mujer con un registro limitado, pero con un fraseo y una emotividad maravillosa. La grabación tuvo el respaldo de una gran orquesta dirigida por Ray Ellis. Ellis dijo del álbum en 1997: "Podría decir que el momento más emocionante fue cuando la escuché interpretar "I'm a Fool to Want You". Había lágrimas en sus ojos.... Después de terminar fui al salón de control y escuché todos los temas. Tengo que admitir que fui infeliz con su presentación".

Un Norteamericano con Mucho Sabor Latino

Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Missouri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz latino que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música latina. Tocaba también la batería y los bongóes.
De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional.



Tjader grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz latino, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte.

Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.

Álbumes de Cal Tjader

Vibrations (Savoy, 1951)
Cal Tjader: Vibist (Savoy, 1953)
Cal Tjader, Vol. 1 (Savoy, 1953)
The Cal Tjader Trio (Fantasy, 1953)
Tjader Plays Mambo (Fantasy/Original Jazz Classics, 1954)
Mambo with Tjader (Fantasy/OJC, 1954)
Tjader Plays Tjazz (Fantasy/OJC, 1954)
Plays Afro-Cuban (Fantasy, 1954)
Cal Tjader Quartet (Fantasy/OJC, 1956)
The Cal Tjader Quartet (Fantasy, 1956)
Latin Kick (Fantasy/OJC, 1956)
The Cal Tjader Quintet (Fantasy, 1956)
Jazz at the Blackhawk (Fantasy/OJC, 1957) (en directo)
Más ritmo caliente (Fantasy, 1957)
Cal Tjader (Fantasy, 1957)
The Cal Tjader-Stan Getz Sextet (Fantasy, 1958) (con Stan Getz)
Cal Tjader's Latin Concert (Fantasy/OJC, 1958) (falso directo: grabado sin público, simula que se trata de un concierto real)
Latin for Lovers With Strings (Fantasy, 1958)
San Francisco Moods (Fantasy, 1958)
Concert by the Sea, Vol. 1 (Fantasy, 1959) (en directo)
Concert by the Sea, Vol. 2 (Fantasy, 1959) (en directo)
Monterey Concerts (Prestige, 1959) (en directo)
Cal Tjader Goes Latin (Fantasy, 1959)
Live and Direct (Fantasy, 1959)
Night at the Black Hawk (Fantasy/OJC, 1959) (en directo)
West Side Story (Fantasy, 1960)
Concert on the Campus (OJC, 1960)
Demasado caliente (Fantasy, 1960)
Latino (Fantasy, 1960)
In a Latin Bag (Verve, 1961)
Cal Tjader Plays Harold Arlen (OJC, 1961)
Cal Tjader Plays, Mary Stallings Sings (OJC, 1961)
The Cal Tjader Quartet (Fantasy, 1961)
Saturday Night: Sunday Night at the Black Hawk, San Francisco (Verve, 1962) (en directo)
Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (Verve, 1962)
Cal Tjader Live and Direct (Fantasy, 1962)
The Cal Tjader Quartet (Fantasy, 1962)
Time For Two (Verve, 1962) (con Anita O'Day)
Sona libre (Verve, 1963)
Several Shades of Jade (Verve, 1963)
Breeze from the East (Verve, 1963)
Soul Sauce (Verve, 1964)
Warm Wave (Verve, 1964)
Soul Bird: Whiffenpoof (Verve, 1965)
Soul Burst (Verve, 1966)
El sonido nuevo: The New Soul Sound (Verve, 1966) (con Eddie Palmieri)
Latin for Dancers (Fantasy, 1966)
Along Comes Cal (Verve, 1967)
Hip Vibrations (Verve, 1967)
Plugs In (Skye, 1969)
Sounds Out Burt Bacharach (Skye, 1969)
The Prophet (Verve, 1969)
Bamboléate (Tico) (con Eddie Palmieri)
Live at the Funky Quarters (Fantasy, 1970)
Primo (Fantasy/OJC, 1970)
Descarga (Fantasy, 1971)
Tambu (Original Jazz Classics, 1973) (con Charlie Byrd)
Puttin' It Together (Fantasy, 1975)
Amazonas (OJC, 1975)
Grace Cathedral Concert (Fantasy, 1976)
Guarabe (Fantasy, 1976)
Here (Fantasy, 1977)
Breathe Easy (Fantasy, 1977)
Tjader (Fantasy, 1978)
La Onda Va Bien (Concord Picante, 1979)
Gózame! Pero ya (Concord Picante, 1980)
The Shining Sea (Concord Picante, 1981)
A fuego vivo (Concord Picante, 1981)
Heat Wave (Concord Jazz, 1982) (con Carmen McRae)
Good Vibes (Concord Jazz 1984)
Latin + Jazz = Cal Tjader (DCC, 1990)
Huracán (Laserlight, 1990)
Agua Dulce (Fantasy, 1991)
Last Night When We Were Young (Fantasy, 1991)
Solar Heat (DCC, 1995)
Talkin' Verve (Verve, 1996)
Concerts in the Sun (Fantasy, 2002) (en directo)
Cuban Fantasy (Fantasy, 2003)
Cal Tjader Live At The Monterey Jazz Festival 1958-1980 (Concord, 2008) (en directo)

Una Trompeta Bien Extraña que dejo huellas en el Jazz

Su nombre John Birks Gillespie (Cheraw, Carolina del Sur, Estados Unidos, 21 de octubre de 1917 - Englewood, Nueva Jersey, 6 de enero 1993), Dizzy Gillespie, trompetista, cantante y compositor estadounidense de jazz.

Gillespie, con Charlie Parker, fue una de las figuras más relevantes en el desarrollo del bebop, jazz latino y del jazz moderno. Fue durante toda su vida un incansable experimentador de música afroamericana, lo que le llevó a experimentar con el jazz latino, colaborando con percusionista como Chano Pozo, el calipso, la bossa nova o a colaborar con músicos externos al mundo del jazz como Stevie Wonder.
En sus primeros años como instrumentista trabajó con las grandes bandas de Cab Calloway y Earl Fatha Hines, mientras que en 1945 colaboró con el saxofonista Charlie Parker, con quien grabó algunas de los más revolucionarios temas de la historia del jazz. Se conocieron en Kansas City, en una habitación de hotel y no pudieron dejar de tocar, como dijo Dizzy sobre ese encuentro: "teníamos ideas gemelas y era difícil distinguir lo que provenía de mí de lo que venía de él". De ese encuentro nacía el bebop (onomatopeya del ruido que hacía la cabeza de un negro cuando era golpeada por la porra de un policía blanco), con recordados espectáculos en el bar Minton's. Las carreras de Parker y Dizzy, siguieron caminos separados: mientras el primero era inigualable en pequeñas formaciones, Gillespie ofrecía lo mejor de sí frente a grandes formaciones. Mientras Parker sufrió la marginación, Gillespie se convirtió en una de las figuras más conocidas del jazz. Su fama se acrecentó con su fuerte personalidad y sus espectáculos personales entre los que se destaca su habilidad para el scat, los instrumentos de percusión centro americanos y sus apariciones públicas entre las que se destaca su postulación a la presidencia de los Estados Unidos en 1964.



Por otra parte, fue unos de los principales responsables creadores del llamado jazz afro-cubano junto a Machito, Chano Pozo entre otros, por lo que sobrepasó las fronteras estadounidenses y se internó en la música mundial rápidamente.


Dizzy Gillespie en 1955 Discografía Básica.
Afro-Cuban Jazz Moods: Junto a Machito y su orquesta y composiciones de Chico O'Farrill, Gillespie rememoró en esta obra los mejroes momentos del Jazz Latino.

Dizzy Gillespie and the United Nation Orchestra (Live at The Royal Festival Hall): La última gran orquesta de Gillespie, con músicos como Paquito D'Rivera, Slide Hampton, James Moody, Arturo Sandoval o Steve Turre.



Con músicos como Lee Morgan, Melba Liston, Benny Golson, Wynton Kelly y Charlie Persip. Uno de las más recordadas grabaciones en directo de la orquesta de Dizzy Gillespie.
Grabaciones de 1956 junto a Stan Getz y Sonny Stitt.
Junto a Sonny Stitt y Sonny Rollins

Helen Folasade Adu

Helen Folasade Adu más conocida como Sade (nacida el 16 de enero de 1959 en Ibadán, Nigeria) es una cantante y compositora británico-nigeriana.
De madre inglesa y padre nigeriano, a los cuatro años se fue con su madre a vivir a Inglaterra, cuando ésta se separó de su padre.

Durante su adolescencia no paraba de escuchar discos de Nina Simone, Peggy Lee y Astrud Gilberto. Este estilo de música la fascinaba.

Ella todavía no pensaba en cantar en aquella época, sino en estudiar moda en la facultad de Saint Martin, y sólo se decide a presentarse como vocalista cuando un par de viejos amigos de la facultad crean un grupo "hasta que encuentren una cantante". Sus estudios de diseño la llevaron a abrir una boutique, pero su amor por la música la llevó a cantar en un grupo funky de cierto carácter latino que respondía al nombre de Arriva. Desde ese momento descubrió un extraño placer al escribir letras. Más tarde esta banda pasó a llamarse Pride y luego cambio a Sade, que es una abreviatura de Folasade. Y con Sade comenzo a conocerse también a su vocalista.

La banda consigue firmar un contrato en 1984, y se convierte en el espectáculo de los clubs de alterne de la capital inglesa, en gran parte gracias a la impresionante belleza de su cantante que se vería reflejada en revistas de tirada internacional como Vogue, Cosmopolitan, Times... y en pocos meses se convirtió en la reina del cool. En 1984 su primer sencillo "Your love is king" pasó a ser un éxito dentro de los Top Ten. Y de manera bastante repentina Sade se convirtió también en un símbolo. Si durante los 80, ella parecía encarnar los valores recién descubiertos de la elegancia y del deseo, entonces había y aún sigue habiendo algo más fundamental que caracteriza la popularidad de Sade. Su música tiene una resistencia que contrasta con su aparente dulzura. Permanece en el corazón y en la cabeza mucho tiempo después de que se hayan callado las últimas notas, de la misma forma que los rescoldos de una relación nunca se enfrían. Esa es la razón de que sólo un año después se convirtiera en uno de los pocos artistas que han aparecido en la portada de la revista Time. Porque desde los primeros momentos su música rebasó el momento del pop.



Efectivamente, con la edición en 1984 de su disco de presentación "Diamond life", Sade se dirigía a una audiencia mundial. Este contenía sencillos de éxito como "Your love is king", "Smooth Operator" y "Hang on to your love", y el disco permaneció 98 semanas en las listas británicas y 81 semanas en las listas americanas. Sade recibió el premio BPI al mejor álbum y un Grammy a la mejor nueva artista. Después de "Diamond life" en 1985 llegó "Promise", un rico y evocador segundo álbum que cosechó éxitos como "It is a crime" y "The sweetest taboo", que ha sido uno de los temas más oídos en la historia de la radio. Al igual que su predecesor, éste también fue un éxito internacional que recibió un disco multiplatino.



La paradoja del verdadero arte es hacer que lo muy difícil parezca instintivo y sencillo, por eso el arte es tan convincente. Porque el trabajo terminado es tan deslumbrante que requiere un esfuerzo de la imaginación para comprender la lucha que ha tenido lugar hasta su concepción. Por esta razón, Sade, que nunca ha permitido que su música fuera nada menos que inmaculada, conquista de esa manera a la audiencia. Durante toda su carrera, siempre ha habido una intensa curiosidad por parte del público hacia su vida privada, como si el descubrirla fuera a desvelar cómo es posible que haga una música tan irresistible. Pero la moderna cultura de los famosos, con sus exigencias lascivas que sólo pretende revelar cada vez más intimidades, tiene sus peligros. Y teniendo en cuenta éstos desde sus inicios, Sade ha intentado simplemente ser fiel a sí misma sólo concediendo entrevistas y produciendo música cuando tiene algo que decir.



Tres años más tarde, volvió a reunir al grupo para grabar "Stronger than pride", un álbum de éxito en 1988 que contenía sencillos memorables como "Paradise", "Love is stronger than pride" y "Nothing can come between us". Con el álbum llegó una gira por todos los continentes, incluida Europa, Australia y Japón y que supuso la primera gira a gran escala por América. A lo largo de su trayectoria, el grupo siempre ha contado con una audiencia diversa, multiracial, que se siente atraída por el amplio concepto de música que tiene el grupo. Sade ha creado clásicos de las pistas de baile, temas para las bandas sonoras de películas, temas favoritos en las emisoras de radio e himnos de amor, al mismo tiempo que rechaza que se les categorice simplemente como un grupo de pop, una banda de R&B, un grupo de soul o cualquier otra cosa que sea unidimensional. En su lugar, al igual que las calles multiculturales de Londres de las que procede el grupo, su música ha prosperado al abarcar la diversidad como principio fundamental.




En 1992, Sade editó "Love Deluxe", un álbum audaz y emocionalmente honesto que se ganó la aclamación comercial y de la crítica. En América permaneció 90 semanas en las listas, mientras que el sencillo "No ordinary love", tenía una amplia aparición en la película de Robert Reford "Proposición Indecente". En 1994 llegó el "Best of Sade", que incluía 16 temas.



Ahora edita "Lovers Rock", ocho años después de su último trabajo y con unas ventas en su haber de 40 millones de discos. Es un disco, sutil y engañosamente sencillo, destaca el notable talento de Sade como autora de canciones que llevan su sello de refinamiento duradero. Desde el acústico "Sweetest gift" hasta el conmovedor "All about our love" y el emotivo "Slave Song", este álbum está lleno de calor, intimidad y sensibilidad. En "Lovers Rock", al igual que ha hecho en los discos anteriores, Sade sigue describiendo los murmullos secretos del corazón, y permanece fiel a sí misma en su trabajo intentando siempre llegar más lejos.



Carrera musical
Su carrera musical comienza en dos grupos de Latin-soul llamados "Ariva" y "Pride".

En 1982 conoce a Stuart Mathewman, Paul Spencer Denman y Andrew Hale con quienes forma el grupo llamado Sade.

En octubre de 1983 el grupo firma un contrato con "Epic Records" para el que graba los siguientes álbumes:

Diamond Life (1984)
Promise (1985)
Stronger Than Pride (1988)
Love Deluxe (1992)
The Best of Sade (1994)
Lovers Rock (2000) y
Lovers Live (2002)
Soldier Of Love (2010) (Lanzamiento 08/Febrero/2010)

Entrega 52 de los premios Grammys para el segmento de jazz

Best Pop Instrumental Performance

Throw Down Your Heart
Béla Fleck
Track from: Throw Down Your Heart: Tales From The Acoustic Planet, Vol. 3 - Africa Sessions[Rounder]



Best Pop Instrumental Album

Potato Hole
Booker T. Jones
[Anti]

Best Contemporary Jazz Album

Joe Zawinul & The Zawinul Syndicate
[Heads Up International].Urbanus

Best Jazz Vocal Album

Dedicated To You: Kurt Elling Sings The Music Of Coltrane And Hartman
Kurt Elling[Concord Jazz]

Best Improvised Jazz Solo

Dancin' 4 Chicken
Terence Blanchard, soloist
Track from: Watts (Jeff "Ta
in" Watts)
[Dark Key Music].

Best Jazz Instrumental Album, Individual Or Group

WinnerFive Peace Band - Live
Chick Corea & John McLaughlin Five Peace Band
[Concord Records].

Best Large Jazz Ensemble Album

Book One
New Orleans Jazz Orchestra
[World Village].

Best Latin Jazz Album

Juntos Para Siempre
Bebo Valdés And Chucho Valdés
[Sony Music/Calle 54]