Slow Train Soul (anteriormente conocido sólo como Slow Train) es un dúo formado por la vocalista inglesa Michelle Nichol alias Lady Z y el productor danés Morten Hansen aka Varano. Su música es una fusión de jazz, soul y electrónica, es decir, para mayor concreción, nu-jazz y nu-soul, pero siempre con tendencia a los ritmos downtempo, a la creación de ambientes y atmósferas (los temas bailables son una minoría). Una propuesta que fusiona con gran acierto electrónica e instrumentación real por una parte y música negra y, de nuevo, electrónica, por otra. Tras la edición de su álbum debut, en el 2003, se convirtió en una de las revelaciones de la blacktrónica (en términos generales, de la escena electrónica), seduciendo en su versión de estudio pero también en directo. Es, sin duda, uno de los grupos imprecindibles para los amantes del nu-jazz, de los que recomiendo seguir con mucha atención.
El dúo colaboró por primera vez en el álbum Time to grow (2001, Murena Records), de Puddu Varano, asociación que se extendió también a los directos. Así fue como Varano le propuso a Lady Z firmar un contrato para grabar un álbum para su sello Murena Records. El resultado fue el excelente Illegal cargo (2003), un éxito internacional licenciado por diversos sellos, ente ellos el francés Wagram Music. A finales del 2006 llega a las tiendas su segundo trabajo, Santimanitay, de nuevo en Murena Records y distribuido internacionalmente.
Jaga Jazzist es un grupo de origen noruego que comenzó en Tonsberg (un pequeño pueblo a las afueras de Oslo) en 1994.
Formado por 10 integrantes (Matthias Eick, Andreas Mjøs, Ketil Vestrum Einarsen, Line Horntveth, Harald Frøland, Andreas Hessen Schei, Lars Horntveth, Even Ormestad, Lars Wabø, Martin Horntveth), es una mezcla entre el jazz y la electrónica, muy caracterizado por su tendencia hacia la experimentación y la improvisación.
Utilizan un arsenal de instrumentos que van desde trompetas, trombones, guitarras eléctricas, bajos, tubas, clarinetes, vibrafonos y hasta un Fender Rhodes,que combinados con sonidos electrónica, hacen que Jaga Jazzist sea una música atemporal, melódica, hipnótica y delicada.
1991 Unos panas Caraqueños en respuesta a la movida de grupos rockeros y dark acostumbrados a tocar en salas de teatro, decidieron juntarse para formar la mejor, o más bien la única banda Dance de Venezuela. En una cruzada por convencer a los dueños de discotecas quebradas que bailar no solo es salsa y merenge y que guitarra eléctrica no es igual a punketo, Los Amigos Invisibles comenzaron a conquistar la movida nocturna Caraqueña y así le ofrecieron a los panas una alternativa para rumbear.
1995 Después de muchos trasnochos y con los integrantes de la banda ya consolidados, Boris Milán, amigo de la banda y dueño de un estudio en Caracas le propone a Los Amigos Invisibles grabar su primer disco. Con la intención de lanzarlo independiente, el dinero necesario para la realización de este primer LP aparece a través de un compañero anónimo que decide hacerle un préstamo a la banda, pero a mitad de grabación este compañero decide contraer matrimonio dejando de esta manera los planes de los Amigos Invisibles a medias con un disco y un video grabado pero sin manera de distribuirlo. Afortunadamente contactan con EMI Venezuela a través de Caplís (bajista de Desorden Público) y logran un contrato de distribución en Venezuela lanzando así “A Typical And Autoctonal Venezuelan Dance Band”.
1996 Gracias a las políticas económicas del Ex Presidente Caldera, Los Amigos Invisibles deciden probar suerte en New York con 20 discos bajo la manga. Logran hacer un par de shows en S.O.B’s y a través de su futuro manager Alberto Cabello colocan los 20 CD’s en una tienda de discos en New York. El destino lanza los dados y David Byrne decide comprar uno de estos discos en esa tienda y al percatarse del número de teléfono que aparecía en la contraportada decide llamar para averiguar en que andaba la banda. Afortunadamente la banda estaba fuera de contrato con EMI y después de un par de conversaciones Los Amigos Invisibles pasa a formar parte de Luaka Bop.
1997 Es hora de grabar “The new sound of the Venezuelan Gozadera”, con la ayuda de Andrés Levín como productor y Fernando Aponte como ingeniero, Los Amigos Invisibles graban su segunda producción discográfica mitad en Caracas y mitad en New York, de ahora en adelante la música deja de ser un Hobby y pasa a ser la profesión de los integrantes de la banda, comienzan a girar alrededro del mundo y a conocer nuevas propuestas y bandas del mundo entre estas por supuesto está el disco “Newyorican Soul de Masters at Work” el cual pasa a ser uno de los CDs permanentes en las carpetas de Los Amigos Invisibles.
2000 Quizás fueron las largas giras y el nuevo ritmo de trabajo la razón por la cual tomó tanto tiempo para que Los Amigos Invisibles realizaran su tercer lanzamiento, pero al fin sintiéndose cómodos para grabar, deciden probar suerto con el productor Phillip Steir y mudarse un par de meses a San Francisco para crear “Arepa 3000 A Venezuelan Journey Into Space”. Fruto de largas discuciones entre la banda y el productor este LP logra una nominación al Grammy y otra al Grammy Latino consolidando el nombre de la banda a nivel mundial.
2001 Tomando en cuenta las grandes posibilidades de trabajo y la facilidad para movilizarse a nivel mundial Los Amigos Invisibles deciden mudarse a New York volviendo cada cierto tiempo a Venezuela para hacer shows, promover su disco y atender el público que los desarrolló en un primer lugar. Logran establecer contactos con figuras importantes del dance a nivel mundial y comienzan a desarrollar remixes para diversos artistas, entre otros conocen a “Little” Louie Vega de Masters at Work con quien más adelante comenzarán a desarrollar una gran amistad y fuerte relación de trabajo.
2002 La dupla Los Amigos Invisibles y Maters at Work comienza a funcionar y entran a grabar el primer sencillo Bruja a la venta como 12 pulgadas a través de MAWRecords, ambas partes emocionadas deciden entrar a grabar la próxima producción de Los Amigos Invisibles “Venezuelan Zinga Son”.
2003 Los Amigos Invisibles participan en el disco “Elements of life” de Louie Vega in el “Cruising Attitude” de Dimitri from Paris. Venezuelan Zinga son sale a las calles en Euopa y Japón a través de Long Lost Brother Records, compañía responsable por manejar la carrera de artistas como Jamiroquai. En venezuela, la banda crea Gozadera Records y publican “Venezuelan Zinga son”.
2004 LAI sigue gira por los Estados Unidos, Mexico y Europa promocionando su, entonces, nuevo material. En Marzo, es publicado en los Estados Unidos.
2005 Los Amigos Invisibles arrancan el año en Australia en el Sydney Festival. Siguen las giras por los Estados Unidos y Latinoamérica, mientras se graba entre shows el “Superpop Venezuela”, el cual sale publicado a finales de año en Venezuela.
2006 Los Amigos Invisibles formalizan su sello disquero Gozadera Records USA publicando el disco “Superpop Venezuela” en los Estados Unidos, producido por Dimitri from Paris, el cual les merece una nominación al Grammy americano como mejor disco urbano-latino alternativo.
2007 Los Amigos continúan girando sin cesar por los Estados Unidos y Latino América participando en importantes festivales tales como el Rock Al Parque en Bogotá y el Vive Latino en Ciudad de México. Visitan por primera vez El Salvador y Guatemala y realizan el show "Los Amigos y sus amigos" en el Poliedro de Caracas y el Aula Magna de Maracaibo junto a los autores originales del "Superpop Venezuela". Luego entran a grabar en Nueva York lo que será su 6to álbum de estudio.
2008 Comienzan el año girando por la costa oeste de Los Estados Unidos junto a Si*SE y luego de ahí siguen rumbo a México y Pto. Rico. El 12 de Mayo editan oficialmente su primer álbum y DVD en vivo grabado en el show de 15 años en el Aula Magna de Caracas y acompañan el lanzamiento con un show de radio transmitido en vivo a todo el país y una breve gira con Movistar donde visitan Maracaibo, Valencia y Caracas. Mientras tanto, Los Amigos continúan en la elaboración de su próximo álbum que espera ver su salida para finales de año.
2009. El 24 de Mayo comienza la venta exclusiva en iTunes de su nuevo álbum "Comercial" rápidamente ubicándose en el #17 de los álbumes latinos mas vendidos en los Estados Unidos según la revista Billboard. El 9 de Junio "Comercial" sale a la venta en tiendas en Estados Unidos, Puerto Rico y Venezuela. En Septiembre el disco es editado en México y luego nominado al Latin Grammy en la categoría de Best Latin Alternative Album. El jueves 5 de Noviembre en una ceremonia que se llevo a cabo en la ciudad de Las Vegas, Los Amigos Invisibles ganan su primer Grammy.
2010 A principios de año "Comercial" es editado en Australia y la banda comienza el año visitando Australia con una gira por 8 ciudades que los lleva a participar en el festival WOMAD en Adelaide donde fueron aclamados por la crítica local y en el pretigioso QPAC de Brisbane. En Abril editan "Comercial" en España y emprenden la gira española que los lleva por 7 ciudades del país. Así mismo editan "Comercial" en Argentina lo que los lleva a visitar Buenos Aires en un concierto a sala llena en la legendaria sala Niceto. Su constante gira mundial los lleva a participar en importantes festivales de verano como el Couleur Cafe (Bruselas), Pirineos Sur (España), Bonnaroo (EUA), Summerstage (NY, EUA) y Lollapalooza (Chicago, EUA).
Ya son 1 Latin Grammy + 2 nominaciones al Latin Grammy, 2 nominaciones a los Grammys Americanos, más de 60 paises visitados, 6 discos de estudio, 1 DVD+CD en vivo, 1 álbum de remixes y 1 casa disquera propia en 19 años de trayectoria con muchos planes en el horizonte.
Michael Brecker fue un gran saxofonista que está considerado como el mejor instrumentista de jazz de la historia (con una exquisita técnica y desbordante sensibilidad) y que también destacó, brillantemente, como compositor.
La afición por la música le vino de su padre, que era pianista.
Empezó a estudiar clarinete en el instituto, pasándose poco tiempo después al saxo tenor, aficionándose al jazz cuando descubrió al genial saxofonista John Coltrane. Antes de cumplir los veinte años, había finalizado sus estudios de música, graduándose por la Universidad de Indiana en 1968.
En los años 70 creó, junto con su hermano Randy, trompetista, la banda Dreams [1970-1973, Billy Cobham, John Abercrombie], y más tarde, los Brecker Brothers [1975-1981], en la que fusionaron el jazz con el rock y que gozó de un gran éxito entre los años 1975 y 1982. Además de su hermano Randy, también formaron parte de esta banda el trombonista Barry Rogers, el baterista Billy Cobham, Jeff Kent y Doug Lubahn, músicos que editan también, en la actualidad, grandes discos en solitario.
En 1977 los hermanos abren el local Seventh Avenue South, que cerrará sus puertas en 1985. Allí invita Michael, 'para divertirse', a varios amigos en 1979. A raíz de ello, un productor japonés les propone tocar en Japón: nace así Steps (más tarde Steps Ahead), codirigido por el vibrafonista Mike Mainieri.
En los años 80 fue miembro de la banda del programa de televisión de la NBC: Saturday Night Live y su primer disco en solitario, titulado Michael Brecker, lo sacó en 1987.
Durante el verano boreal de 2005, mientras se encontraba de gira con el grupo Steps Ahead, con el que ya había trabajado 25 años antes, le diagnosticaron una afección en la médula ósea, por la cual debió abandonar el tour. Luego, este problema evolucionó hasta transformarse en una leucemia. Falleció a la edad de 57 años el sábado 13 de enero de 2007, en un hospital de Nueva York, tras un año y medio de lucha.
Bobby Colomby (batería fundador de Blood, Sweat & Tears), lo pondrá en relación con la compañía Columbia Records, convirtiéndose además en su mánager y productor, publicando el primer disco en la nueva compañía, en 2001. Tres de sus discos, obtendrán importantes ventas, dentro del estilo smooth jazz.
Representante destacado del jazz latino, participó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino, Lalo Schifrin. Abordó también en su carrera el jazz de vanguardia, sobre todo en la década de 1960, así como el pop y la fusión a finales de la década de 1970.
Se le considera uno de los mejores saxofonistas latinoamericanos de la historia. Entre sus mayores éxitos se encuentran Europa, I Want You y Last Tango in Paris.
A los doce años aprende a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de "Now's the Time" de Charlie Parker. Se traslada con su familia a Buenos Aires en 1947 y continua recibiendo lecciones de música, cambiándose al saxo alto; hacia 1953 se convierte en una celebridad musical gracias a sus actuaciones en la orquesta de Lalo Schifrin. A finales de la década, comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor. Se traslada a Roma en 1962 y conoce en París a Don Cherry, uniéndose a su grupo y empapándose del jazz de vanguardia. Tocó también con Mike Mantler's Jazz Composers' Orchestra a finales de la década de 1960.
Ya en la década de 1970, experimenta un cambio musical y se decide por la reincorporación en su música de melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos, con cuatro excelentes músicos,Enrique "Zurdo" Roizner ; Ricardo LewDomingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el directo El Pampero on Flying Dutchman y sus obras para Impulse, con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz.
Fue, no obstante, un éxito comercial el que lo llevaría a sus cotas más altas de popularidad: su sensual banda sonora para la película de Bernardo BertolucciEl último tango en París, de 1972. Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y el pop a finales de la década de 1970. Se centró luego, a principios de la década de 1980, en un sonido suramericano más intenso e influido por el rock, aunque sus oscilaciones estilísticas son constantes en su carrera. En 1985 recibió el Premio Konex como uno de los mejores jazzistas de la historia de la Argentina.
Aquejado de serios problemas al corazón y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década de 1990, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles, grabando a partir de entonces varios discos.
Aquejado de neumonía y con varios problemas de salud, Leandro "Gato" Barbieri murió el2 de abrilde2016, a los 83 años, en un hospital de Nueva York, donde residió durante cuatro décadas. Su esposa Laura Barbei informó del deceso.
Fue un grupo de jazz-fusión y jazz-rock que estuvo activo entre 1970 y 1985; interesado en general por la fusión, y liderado por Joe Zawinul y Wayne Shortr, anticipó y contribuyó a la apertura musical estadounidense a las músicas del mundo.
Los miembros originales del grupo fueron, además de Zawinul, el saxofonista Wayne Shorter, el contrabajista y bajista eléctrico Miroslav Vitouš, el percusionista Airto Moreira y el baterista Alphonse Mouzon. Otros músicos que participarían en el proyecto serían el bajista Jaco Pastorius, el baterista Peter Erskine, el bajista Victor Bailey, el baterista Omar Hakim y los percusionistas Dom Um Romão, Alex Acuña, Jose Rossy y Mino Cinelu.
El grupo se originó como una extensión de las grabaciones electrónicas de Miles Davis, particularmente de sus discos In a Silent Way y Bitches Brew, abiertas a la improvisación colectiva y a la combinación de elementos del jazz, del rock, del funk, de la música latina y de diversas tradiciones musicales étnicas.
El disco más exitoso de la banda fue Heavy Weather (1977), en el que se incluye el tema "Birdland", considerado como un estándar del jazz.
Si mencionamos su nombre real, Helen Folasade Adu, no nos viene gran cosa a la cabeza. Sin embargo, si escuchamos la palabra Sade todo cambia. Al publicar su primer disco, en 1984, su sello discográfico, Epic, tampoco confiaba mucho en que el nombre calara, y con mucha visión de marketing se ocupó de dejar claro en la carátula la pronunciación: shar-day. Por si había confusiones con cierto marqués de origen francés.
Nació en Nigeria, pero a los cuatro años fue a vivir a Inglaterra. Nunca pensó en la música como primera opción, y sus estudios de diseño la hicieron abrir una tienda de ropa. Sin embargo, su amor por la música hizo que se postulara en multitud de ocasiones como vocalista en diversos castings en los que se buscaban cantante femenina. Fue al principio de los ochenta cuando Sade comenzó a tocar la armónica con el grupo Arriva, con el que ganó mucha repercusión en el Londres de la época.
Nina Simone, Peggy Lee y Astrud Gilberto eran los tres pilares fundamentales de su estilo, y claramente podían distinguirse en su voz. Su grupo, con el tiempo, pasó a llamarse Folasade, que acabaría abreviándose como Sade, y ella ganó más y más protagonismo hasta que sus compañeros pasaron a ser los componentes de una banda que la acompañaba en el escenario. Portadas en Vogue, Cosmopolitan, Time… Sadese convirtió en símbolo tan rápido como colgaba los carteles de ‘sold out’ en los clubs en los que tocaba. En 1984, su primer sencillo, Your love is King, llegó a lo más alto de las listas de éxitos y la encumbró como la más cool del momento. Título no demasiado alejado de la realidad, pues se decía que su padre descendía de monarcas africanos.
Los ochenta más sofisticados
La década del ochenta fue sin duda la de Sade, con un estilo marcado por el jazz, el rhythm & blues contemporáneo, el soul, el funk y, más tarde, también el pop. Un eclecticismo musical que se combinaba a la perfección con unas letras melancólicas que ella componía. Mientras criticaba los bienes materiales en Smooth Operator, Sade era la viva imagen de la sofisticación de la época.
En los noventa, Sade continuó haciendo música, pero en un segundo plano, en el que primaba la calidad musical al hecho de publicar muchos nuevos trabajos. Publicó una edición de su disco de grandes éxitos que tuvo buena acogida y su sonido se comenzó a mover hacia lo que los expertos llamaban pop adulto.
Decidió tomarse otro periodo de descanso tras una gira por Estados Unidos y se quedó embarazada. "Me pareció que mi hija era más importante que mi carrera", contaba Sade en una breve reaparición a principios de los 2000. "En todo este tiempo no he dejado de cantar, pero en mi casa", contó cuando le preguntaron si ocho años no era demasiado tiempo para que una cantante estuviera callada después de haber vendido 40 millones de discos.
A pesar de su éxito comercial, con el que ha conseguido manejar una buena fortuna, Sadenunca ha sido una celebrity al uso. En las pocas entrevistas que ha concedido, y que dejó de dar por las preguntas relativas a su vida sentimental, habla del directo como la parte que más disfruta de la música. A sus 60 años, vive en una pequeña localidad en la campiña inglesa junto a su hija, lejos del ambiente urbanita donde forjó su carrera musical y brilló en otra época.
Revival noventero
Sus últimos trabajos discográficos de estudio publicados fueron Soldier of Love (2010) y el recopilatorio The Ultimate Collection (2011), aunque en abril de 2018 pudimos escuchar la primera canción original de la artista en siete años. Fue para la película de Disney Un pliegue en el tiempo, y llevaba por título Flower of the Universe. Sade, lejos de olvidarse, ha ido ganando popularidad y admiración gracias al revivalque ha experimentado el R&B noventero.
Debido a los crecientes rumores sobre este nuevo disco, su sello discográfico, Epic, ha tenido que salir en su defensa para tranquilizar a sus fans: “Entendemos su compromiso con el arte y no la está presionando para sacar el álbum pronto. Sadeno está interesada en la fama ni en nada similar. Ella está interesada en sacar arte. Así que cuando esté listo, saldrá”. Y aquí, estaremos esperándola.
Apareció en una pared de la estación del metro de Islington en octubre de 1967 y de allí se extendería por toda Londres. Pero lo más curioso fue la fotografía: una señora caminando como desafiando al fotógrafo con cara malhumorada acelerando el paso mientras su perro orina justo debajo del grafitti “Clapton is God”. The Guardian publicaría la reseña y mediáticamente lo catapultó más de lo que ya estaba.
Cualquiera que repase su carrera y compruebe que pasó por los Yardbirds, considerada como la mejor banda de rhythm and blues británica que ha existido; que formó parte de la mejor fábrica de guitarristas de la historia: John Mayall & The Bluebrakers, que conformó el trío más apabullante del rock, Cream, que ha estado con Blind Faith, con Delaney And Bonnie And Friends, que tuvo un histórico paso por Derek And The Dominos y que además posee una larga y solvente carrera en solitario, más una innumerable colección de históricas colaboraciones (entre otras en “While My Guitar Gently Wweeps” del “White Album” de The Beatles) y que desde muy joven se ganó la aceptación y el respeto de los más importantes músicos de blues y el jazz, la música Clapton desde siempre ha amado, pues, se dará cuenta de que es un músico sencillamente excepcional.
Al escucharle, al verle y sentirle, quedaba claro que, con apariencia humana y mortal, “Eric Clapton Es Dios”. Se ganó eso a los 22 años cuando ya no estaba con los Yardbirds, ni con John Mayall, sino con Cream, al lado de dos monstruos más: Ginger Baker y Jack Bruce. Sin embargo, el 1ero de octubre de 1966, ocurrió algo en la Regent Street Polythecnic de la Universidad de Westminster donde Cream daba un concierto. Llegaba al sitio un joven guitarrista desde New York cuyo representante era el bajista de Animals, Chas Chandler, quien le propuso a Jimi Hendrix llevarlo a Inglaterra para darlo a conocer en Europa. La única condición que le puso Hendrix fue conocer a Jeff Beck y a su ídolo Eric Clapton.
Y así fue. Hendrix veía con entusiasmo la presentación de Cream y le pidió al grupo improvisar con ellos y al subir al escenario comenzaría con los acordes de un Blues llamado Killing Floor, que Clapton conocía pero que no lo tocaba por ser muy difícil; pero que al ejecutarlo Hendrix, se veía tan fácil en sus manos que Clapton desconectó la guitarra y se fue detrás del escenario a tratar de pasar la pena. Chandler dijo para sus adentros en ese momento “Mierda, sabía que esto iba a pasar” y fue al área de los baños donde estaba Clapton para conversar con él y disculparse. Clapton temblando y tratando de encender un cigarrillo le dijo a Chandler: ¿realmente es así de bueno? ¿Es así de bueno?, repetía. Esa noche mataron en escena a quien llamarían meses después, Dios
Clapton y Hendrix no volverían a tocar juntos en un escenario aunque cada cual asistía al concierto de uno o del otro como espectador y fanático. Hendrix moriría a los 27 años y Clapton casi muere también por sus excesos con el alcohol y las drogas: dos intentos de suicidios y dos rehabilitaciones, además del dolor de haber perdido un hermano en un accidente de tránsito con apenas 26 años y posteriormente en plena madurez, a su hijo Connor de 4 años, al caer del piso 53 de su apartamento de Manhattan.
La revista Rolling Stones los ha clasificado a Hendrix como el 1ero y a Clapton como el 2do de la lista de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Clapton en la actualidad es miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll por partida triple: por los Yardbirds, por Cream y por su carrera en solitario. Haciendo la analogía pudiéramos decir que siendo uno solo en esa santísima trinidad, puede seguir considerándose (¿por qué no?) como Dios.
Corría el año de 1961. El Departamento de Estado Norteamericano patrocinó una gira por América Latina con algunos músicos de jazz, entre los cuales se encontraba el guitarrista Charlie Byrd. Llegarían a Brasil para dar una muestra de la música que se hacía en USA y el país anfitrión por su lado, enseñaba lo que tenía y lo que desde 1958 era la revolución musical del gigante del sur.
Byrd vería en plena acción a dos grandes de la música popular latinoamericana, Joao Gilberto y Antonio Carlos Jobim.
Durante esos días de estancia del guitarrista, su impresión por lo que veía y escuchaba, lo enamoraron, y profundamente prendado de la Bossa Nova, a su regreso a los EE.UU., buscó a su amigo Stan Getz para que escuchara los discos que había traído de Brasil y compartiera su placer de disfrutar esa novedad que aún no había llegado al país. Por supuesto, el saxofonista quiso versionar lo que escuchaba para incluirlo en su próxima producción discográfica y, después de convencer a Creed Taylor, uno de los principales directivos de Verve Records, Stan Getz grabaría uno de sus discos más memorables, Jazz Samba, aparecido en 1962, y que marcaría la influencia en sus trabajos posteriores.
No tardaría la empresa del disco en sumarse al éxito de Getz y comenzaron a producir ese mismo año y el siguiente a otros músicos como Gene Ammons con Bad! Bossa Nova, Dave Brubeck con Bossa Nova USA y Herbie Mann con Do The Bossa Nova. La Bossa Nova comenzó a revolucionar lo que se escuchaba en los círculos jazzisticos y pasó a ser parte del repertorio habitual de las agrupaciones que veían y sentían en ese género la sensualidad que hacía falta en el ambiente musical.
Y todo comenzó cuando Joao Gilberto, un día decidió irse a Río de Janeiro en 1956 y encontrarse con otro músico extraordinario que, al igual que él, comenzaba a experimentar la sorprendente mezcla cultural que tiene Brasil con la música popular. En 1958 Gilberto grabó “Chega de Saudade” y “Bim Bom” y luego con Jobim, plasmarían para la eternidad, una de las piezas que sería la verdadera revolución de la Bossa Nova para el mundo: Desafinado. Allí el sonido sincopado de Gilberto, daría la identidad del nuevo estilo musical brasileño.
