jueves, 30 de julio de 2020

CLAPTON IS GOD


Apareció en una pared de la estación del metro de Islington en octubre de 1967 y de allí se extendería por toda Londres. Pero lo más curioso fue la fotografía: una señora caminando como desafiando al fotógrafo con cara malhumorada acelerando el paso mientras su perro orina justo debajo del grafitti “Clapton is God”. The Guardian publicaría la reseña y mediáticamente lo catapultó más de lo que ya estaba. 

Cualquiera que repase su carrera y compruebe que pasó por los Yardbirds, considerada como la mejor banda de rhythm and blues británica que ha existido; que formó parte de la mejor fábrica de guitarristas de la historia: John Mayall & The Bluebrakers, que conformó el trío más apabullante del rock, Cream, que ha estado con Blind Faith, con Delaney And Bonnie And Friends, que tuvo un histórico paso por Derek And The Dominos y que además posee una larga y solvente carrera en solitario, más una innumerable colección de históricas colaboraciones (entre otras en “While My Guitar Gently Wweeps” del “White Album” de The Beatles) y que desde muy joven se ganó la aceptación y el respeto de los más importantes músicos de blues y el jazz, la música Clapton desde siempre ha amado, pues, se dará cuenta de que es un músico sencillamente excepcional.

Al escucharle, al verle y sentirle, quedaba claro que, con apariencia humana y mortal, “Eric Clapton Es Dios”. Se ganó eso a los 22 años cuando ya no estaba con los Yardbirds, ni con John Mayall, sino con Cream, al lado de dos monstruos más: Ginger Baker y Jack Bruce. Sin embargo, el 1ero de octubre de 1966, ocurrió algo en la Regent Street Polythecnic de la Universidad de Westminster donde Cream daba un concierto. Llegaba al sitio un joven guitarrista desde New York cuyo representante era el bajista de Animals, Chas Chandler, quien le propuso a Jimi Hendrix llevarlo a Inglaterra para darlo a conocer en Europa. La única condición que le puso Hendrix fue conocer a Jeff Beck y a su ídolo Eric Clapton.

Y así fue. Hendrix veía con entusiasmo la presentación de Cream y le pidió al grupo improvisar con ellos y al subir al escenario comenzaría con los acordes de un Blues llamado Killing Floor, que Clapton conocía pero que no lo tocaba por ser muy difícil; pero que al ejecutarlo Hendrix, se veía tan fácil en sus manos que Clapton desconectó la guitarra y se fue detrás del escenario a tratar de pasar la pena. Chandler dijo para sus adentros en ese momento “Mierda, sabía que esto iba a pasar” y fue al área de los baños donde estaba Clapton para conversar con él y disculparse. Clapton temblando y tratando de encender un cigarrillo le dijo a Chandler: ¿realmente es así de bueno? ¿Es así de bueno?, repetía. Esa noche mataron en escena a quien llamarían meses después, Dios 
Clapton y Hendrix no volverían a tocar juntos en un escenario aunque cada cual asistía al concierto de uno o del otro como espectador y fanático. Hendrix moriría a los 27 años y Clapton casi muere también por sus excesos con el alcohol y las drogas: dos intentos de suicidios y dos rehabilitaciones, además del dolor de haber perdido un hermano en un accidente de tránsito con apenas 26 años y posteriormente en plena madurez, a su hijo Connor de 4 años, al caer del piso 53 de su apartamento de Manhattan. 

La revista Rolling Stones los ha clasificado a Hendrix como el 1ero y a Clapton como el 2do de la lista de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Clapton en la actualidad es miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll por partida triple: por los Yardbirds, por Cream y por su carrera en solitario. Haciendo la analogía pudiéramos decir que siendo uno solo en esa santísima trinidad, puede seguir considerándose (¿por qué no?) como Dios.

miércoles, 29 de julio de 2020

El Bossa Nova ....



Corría el año de 1961. El Departamento de Estado Norteamericano patrocinó una gira por América Latina con algunos músicos de jazz, entre los cuales se encontraba el guitarrista Charlie Byrd. Llegarían a Brasil para dar una muestra de la música que se hacía en USA y el país anfitrión por su lado, enseñaba lo que tenía y lo que desde 1958 era la revolución musical del gigante del sur.
Byrd vería en plena acción a dos grandes de la música popular latinoamericana, Joao Gilberto y Antonio Carlos Jobim. 

Durante esos días de estancia del guitarrista, su impresión por lo que veía y escuchaba, lo enamoraron, y profundamente prendado de la Bossa Nova, a su regreso a los EE.UU., buscó a su amigo Stan Getz para que escuchara los discos que había traído de Brasil y compartiera su placer de disfrutar esa novedad que aún no había llegado al país. Por supuesto, el saxofonista quiso versionar lo que escuchaba para incluirlo en su próxima producción discográfica y, después de convencer a Creed Taylor, uno de los principales directivos de Verve Records, Stan Getz grabaría uno de sus discos más memorables, Jazz Samba, aparecido en 1962, y que marcaría la influencia en sus trabajos posteriores. 

No tardaría la empresa del disco en sumarse al éxito de Getz y comenzaron a producir ese mismo año y el siguiente a otros músicos como Gene Ammons con Bad! Bossa Nova, Dave Brubeck con Bossa Nova USA y Herbie Mann con Do The Bossa Nova. La Bossa Nova comenzó a revolucionar lo que se escuchaba en los círculos jazzisticos y pasó a ser parte del repertorio habitual de las agrupaciones que veían y sentían en ese género la sensualidad que hacía falta en el ambiente musical.

Y todo comenzó cuando Joao Gilberto, un día decidió irse a Río de Janeiro en 1956 y encontrarse con otro músico extraordinario que, al igual que él, comenzaba a experimentar la sorprendente mezcla cultural que tiene Brasil con la música popular. En 1958 Gilberto grabó “Chega de Saudade” y “Bim Bom” y luego con Jobim, plasmarían para la eternidad, una de las piezas que sería la verdadera revolución de la Bossa Nova para el mundo: Desafinado. Allí el sonido sincopado de Gilberto, daría la identidad del nuevo estilo musical brasileño.

martes, 28 de julio de 2020

MAMBO….QUE RICO EL MAMBO



Poco antes de que Pérez Prado compusiera sus primeros mambos, registra una crónica niuyokina que la palabra Mambo se escuchó una noche de 1947 durante una gala dancística de la compañía de Katherine Durham cuando uno de los bailarines, en un silencio, que en el argot artístico se conoce como “bache”, gritó Mambo, como enlace e inspiración para continuar con la presentación de la noche. A su vez  Tío Pancho, cronista artístico de esa época New York, dice que la palabra como tal no tiene un significado específico, refiere que pudo haber sido tomada de algún ritual Vudú o pudiera ser proveniente del Congo; pero que en esencia para el fin artístico tiene otro significado. Y veamos como la describe “es el término más poético para designar una música de orígenes africanos que ha evolucionado sobre el nuevo continente y cuya sensualidad ha seducido a todas las culturas”

Dámaso Pérez Prado la daría a conocer internacionalmente gracias a la proyección que le diera México a través del cine; pero antes de todo eso, Orestes López, violoncellista y contabajista de la Orquesta Filarmónica de La Habana, y de la orquesta de charanga Arcaño y sus maravillas, compuso un danzón llamado Mambo en 1939 para responder a la solicitud que le hicieran unos bailarines cubanos para un paso de baile que habían inventado y tenía como nombre El Boteo. En esa coreografía, en los últimos compases de la pieza, Orestes López insertaba una síncopa con el contrabajo y eso determinó que posteriormente, las orquestas cubanas decidieran hacer arreglos parecidos al de López.

Sin embargo, Dámaso Pérez Prado, a finales de 1947 decidió combinar los descubrimientos musicales de Orestes López junto a otros no menos importantes de quien había modernizado el son cubano, Arsenio Rodríguez, y orquestó todo lo que había estudiado de las teorías del jazz y los arreglos de las Big Band, logrando la fusión que el mundo conoce de ese momento como Mambo, con grito incluido.

En la actualidad para las orquestas de hoy, el mambo es llamado y escrito como la instrumentación o intermezzo después de estrofa y coro, donde los arreglos hacen gala de la armonía y orquestación que ha dispuesto el compositor musical. Sea como fuere su origen, el Mambo es otro de los tantos aportes que ha hecho el Caribe para el mundo en su historia musical.

lunes, 27 de julio de 2020

Tom Misch and Yussef Dayes: Tiny Desk (Home) Concert


El productor y guitarrista Tom Misch y el baterista Yussef Dayes lanzaron un sorprendente e impresionante álbum colaborativo a principios de este año llamado What Kinda Music, que he escuchado innumerables veces en los últimos dos meses. Este concierto de Tiny Desk (hogar) —grabado en seis hogares de músicos diferentes— cuenta con dos canciones de ese álbum, "Nightrider" y "Tidal Wave". También acompaña a misch Jordan Rakei y Tom Driessler en el bajo. "Tidal Wave" con Rocco Palladino en el bajo y Joel Culpepper en las voces de acompañamiento, es igualmente hipnótico. Al igual que el álbum, este set corto evoca una utopía de ensueño, mezclando electrónica en vivo, psicodelia y jazz de vanguardia. El conmovedor gancho de "Marea" — "Caos / Lanzamiento de la medianoche como una marea / Gotas de lluvia / Llenando los ojos mientras el agua sube el escenario" — se siente simbólico y resonante con el estado actual del mundo.

domingo, 26 de julio de 2020

Tom Misch


Thomas Abraham Misch (nacido el 25 de junio de 1995) es un músico y productor inglés. Comenzó a colocar su música en SoundCloud en 2012 y lanzó su álbum debut de estudio Geography en 2018. En 2020, lanzó su segundo álbum de estudio What Kinda Music en colaboración con el baterista de jazz inglés Yussef Dayes, distribuido a través de Blue Note Records.
Misch estudió tecnología musical en Langley Park School for Boys y más tarde, en 2014, se matriculó en un curso de guitarra de jazz en el Conservatorio de Música y Danza Trinity Laban en Greenwich, pero se fue después de seis meses para centrarse en su propia música.  Comenzó a aprender a tocar el violín a los 4 años, más tarde aprendiendo a tocar la guitarra.

sábado, 25 de julio de 2020

Yussef Dayes


Yussef Dayes es un baterista británico del sureste de Londres. Descrito como uno de los "jóvenes bateristas y productores más innovadores" del Reino Unido, es conocido como un baterista de jazz, pero produce y toca música en diferentes géneros. Yussef es uno de los dos miembros del dúo Yussef Kamaal junto al pianista inglés Kamaal Williams. El dúo lanzó el álbum Black Focus en 2016 y se separó poco después. En 2020 Yussef lanzó un álbum de estudio llamado What Kinda Music en colaboración con el guitarrista inglés Tom Misch, el álbum fue distribuido a través de Blue Note Records.

viernes, 24 de julio de 2020

Tenderlonious


El flautista y saxofonista Ed "Tenderlonious" Hawthorne creó un clásico moderno en 2018 con The Shakedown, una excursión a través del jazz, el funk y los ritmos africanos y brasileños con el apoyo de músicos famosos como The 22archestra. En abril regresa con su cuarteto Ruby Rushton con un nuevo álbum.

jueves, 23 de julio de 2020

Shabaka Hutchings


Shabaka Hutchings está en todas partes. El saxofonista es una de las voces más prolíficas del firmamento del jazz del Reino Unido. Forma parte del grupo Shabaka & the Ancestors, de los polémicos Sons Of Kemet, y del trío de cosmic jazz The Comet Is Coming. Esta última formación acaba de publicar un nuevo álbum llamado Trust In The Lifeforce Of The Deep Mystery que ha sido publicado por el prestigioso sello de jazz Impulse! Los componentes de The Comet Is Coming están listos para triunfar en los festivales de este verano.

miércoles, 22 de julio de 2020

Poppy Ajudha


La cantante de jazz del sur de Londres, Poppy Ajudha, tiene una voz que se sitúa entre lo clásico y lo moderno, con una riqueza que le permite compararse con cantantes clásicas de soul pero con un toque actual. Spilling Into You, una colaboración con Kojey Radical, analiza el amor desde una perspectiva feminista. Por otro lado, Tepid Soul es una expresión de la identidad mestiza que plantea preguntas difíciles. A Barack Obama le encanta.

martes, 21 de julio de 2020

Makaya McCraven

Hijo del famoso batería de jazz Stephen McCraven, el artista de Chicago Makaya McCraven se ha convertido en una parte importante del renacimiento del jazz. Su temperamento vanguardista está influenciado por los ritmos del hip-hop y la música electrónica. Su álbum de 2018 titulado Universal Beings, editado por el sello International Anthem, es un trabajo que no te puedes perder.

lunes, 20 de julio de 2020

Nubya García


Otra líder de la escena londinense, la saxofonista Nubya García sorprendió a todos en 2017 con el excelente álbum Nubya’s 5ive editado por el sello Jazz:Refreshed. Además es miembro de los grupos londinenses Nérija y Maisha. Ha sido de los primeros artistas de la nueva escuela que también participan en festivales que no son de jazz.

domingo, 19 de julio de 2020

Thundercat.


Stephen Lee Bruner primero llamó la atención como músico de sesión. Tocó en el LP de 2008, New Amerykah, de Erykah Badu, en el álbum Cosmogramma de Flying Lotus y en el disco To Pimp A Butterfly de Kendrick Lamar. Ahora el bajista de Los Ángeles va por su cuenta con álbumes como Apocalypse y Drunk, en los que muestra su fusión del soul, funk y jazz.

sábado, 18 de julio de 2020

Moses Boyd


El batería que hay que seguir en la escena del jazz londinense se llama Moses Boyd. Este artista ha conseguido dos premios MOBO, además de haber colaborado con casi todo el mundo, desde Four Tet y Little Simz hasta Lonnie Liston Smith. En la actualidad trabaja en la emisora de radio británica BBC 1XTRA, desde donde difunde buenas vibraciones. Échale un vistazo a su álbum titulado Displaced Diaspora que ha sido publicado por su propio sello, Exodus Records.

viernes, 17 de julio de 2020

Kamaal Williams


Kamaal Williams es el seudónimo del londinense Henry Wu, quien se hizo famoso al ser la mitad de Yussef Kamaal. Su trabajo está un poco alejado de la escena del jazz londinense y destaca por un sonido inconfundible que combina la visión y el virtuosismo del jazz fusión de los años 70 con la influencia del grime y garage.

jueves, 16 de julio de 2020

Joe Armon-Jones




Virtuoso de los teclados y miembro del Ezra Collective, Joe Armon-Jones es uno de los músicos más visionarios de la escena londinense del jazz. Su excelente álbum titulado Starting Today mezcla jazz-funk y urban soul. A principios de 2019 sacó el trabajo Starting Today In Dub, una colección de remezclas de dub de ritmo pausado y bajos potentes.

miércoles, 15 de julio de 2020

Kamasi Washington




Washington se crió en Inglewood, California, el hogar del gangsta rap, pero enseguida tomó un camino diferente. Este mago del saxofón ha tocado con Kendrick Lamar y Lauryn Hill, mientras que su trabajo en solitario, como queda de manifiesto en el doble álbum de 2018 titulado Heaven & Earth, pone de manifiesto un estilo moderno inspirado en el jazz espiritual y en las big bands.

martes, 14 de julio de 2020

EL MEJOR BAJISTA MUNDO


Jaco Pastorius

Era la noche del 11 de septiembre de 1987. Ese día ya había tenido dos peleas y vendría una tercera. La primera de ellas fue en un concierto de Santana cuando quiso subir a la tarima y se enfrentó a la seguridad del evento. Después fue con su novia. Llegó a la casa de ésta y su griterío ameritó la intervención de algunos vecinos y, obviamente, los porrazos de su pareja, Teresa Nagell. Comenzando la madrugada del día 12, se dirigió al Midnight Bottle Club de Fort Lauderdale de Miami. El dueño del local era Luc Havan, de fuerte corpulencia y con entrenamiento en artes marciales. Jaco estaba completamente ebrio y en esa condición no le permitían la entrada. Comenzó a golpear la puerta para que lo dejaran pasar y gritar escandalosamente uno que otro insulto. Esto colmó la paciencia de Havan quien ya conocía a Jaco con su impertinencia y, según la declaración de Havan, solo le dio un puñetazo cayéndose el músico al piso y pegándole la cabeza al filo de la acera.

Sin embargo, la autopsia reveló otra cosa: hubo ensañamiento con una golpiza cuyo resultado era “el cráneo fracturado, los dientes completamente rotos, un ojo reventado y los huesos de la cara quebrados”. Quedó en coma por nueve días y en el séptimo, una vena se reventó en su cerebro. El 21 de septiembre de ese año murió el mejor bajista del mundo, como él solía autonombrarse, y como el resto del mundo también lo haría, Jaco Pastorius. Tenía solo 35 años.

Mucha gente hace la analogía al decir que lo que Charlie Parker fue para el saxo, Jaco Pastorius lo fue para el bajo eléctrico. Su imaginación y habilidad técnica le permitieron desde muy temprano hacerse un lugar con el bajo, un instrumento que siempre se mantuvo discreto con alguno que otro exponente que mostraba su genialidad. Pero se puede decir que es gracias a Jaco Pastorius que este instrumento se hace protagonista de la escena jazzistica al hacerle modificaciones a su intrumento y aplicar giros y destrezas asombrosas en la ejecución. Hoy, gracias a él, podemos ver nombres de bajistas solistas extraordinarios como Brian Bromberg, Marcus Miller, Darryl Jones, Bill Laswell, Lonie Plaxico, Jeff Andrews, Kim Clarke y el fuera de serie Víctor Wooten, quien reconoce que su mayor influencia para elevar su técnica fue inspirada por Jaco Pastorius

lunes, 13 de julio de 2020

MILES DAVIS ON THE ROCK


En una oportunidad, Leonard Feather, crítico de jazz estadounidense, visitó a Miles Davis en su apartamento. Fue en ocasión de poder entrevistarlo como parte de una promoción del próximo disco que Davis iba a grabar en 1969 (In a Silent Way) La sorpresa de Feather fue que se consiguió a Miles Davis escuchando a The Birds, Aretha Franklin, Jimmy Hendrix y Sly and the Familiy Stone. Miles le dijo que le gustaba el rock porque formaba parte de lo sustancial de la contracultura y que, en el fondo, él militaba con eso. 

Cuando grabó en febrero de 1969 In a Silent Way, fue acusado de venderse al rock. Pero con esa decisión, el trompetista de Illinois daría paso a lo que hoy se conoce como Jazz Fusion. Davis comenzaría una gira ese año que no terminaría porque fue herido de bala cuando lo sorprendieron en el auto con una de sus amantes. Al recuperarse, Miles Davis, actuaría en marzo de 1970 en algunos conciertos de rock para comercializar su nuevo álbum doble Bitches Brew y realizaría algunas presentaciones en el local Fillmore East, propiedad del promotor de rock Bill Graham y sitio donde se presentaba lo mejor del rock de esos años en New York. Al principio no le gustó la idea; pero después lo pensó mejor al concretar unos proyectos de colaboración con Steve Miller y Neil Young.

Fue atacado una vez más por esas alianzas; pero ello le sirvió para ser invitado al Festival de la Isla de Wight el 29 agosto de 1970 ante una audiencia de 600.000 personas y al lado de Jimmy Hendrix, con quien por cierto hizo planes de hacer un disco; pero que lamentablemente lo truncó la muerte del guitarrista. Davis siguió trabajando y profundizó en sus propuestas de fusión, esta vez, además del rock, con el funk, la música clásica y la postmoderna, para entrar en una etapa de exploración melódica que sus fans catalogaron como “la música espacial de Miles Davis”. 

The Rolling Stone Encyclopedia of Rock & Roll ha descrito: "Miles Davis desempeñó un papel crucial e inevitablemente controvertido en cada desarrollo importante en el jazz desde mediados de los años 40, y ningún otro músico de jazz ha tenido un efecto tan profundo en el rock. Miles Davis fue el músico de jazz más reconocido de su época. era, un crítico social abierto y un árbitro de estilo, en actitud y moda, así como en la música ".

domingo, 12 de julio de 2020

Se Apellida Ramirez....



Reconocido como uno de los músicos más innovadores de su generación, Humberto Ramírez creció en un hogar donde se escuchaba la música de Miles Davis, Thelonious Monk, John Coltrane, Lee Morgan, Tito Puente, Tito Rodríguez, Cal Tjader y Machito. Su padre, quien es saxofonista y director de orquesta, fue quien lo inspiró a tocar el “flugelhorn” a los 11 años. Ya a los 14 años, Humberto se presentaba profesionalmente con la orquesta de su padre y a la misma vez tomaba cursos de orquestación con el bajista Inocencio “Chencho” Rivera. A los 18 años, luego de graduarse de la Escuela Libre de Música de San Juan, su interés en componer y hacer arreglos musicales lo motivó a matricularse en Berklee College of Music en Boston, Massachussets donde obtuvo su bachillerato en música, luego estudió composición y orquestación para cine y televisión en Dick Grove School of Music en Los Angeles, California.

En 1985, y por un periodo de cuatro años, Humberto trabajó con la orquesta de Willie Rosario, una de las bandas más populares de Puerto Rico. En 1989 se convirtió en el director musical de Tony Vega. Su admirable capacidad como productor y arreglista lo llevó a realizar importantes colaboraciones con grandes figuras de la música. En 1999 asumió la dirección musical de la estrella del merengue y de la música tropical Olga Tañón. Su trabajo como productor, arreglista, compositor y director para artistas de la música tropical como Willie Colón, Gilberto Santa Rosa, Marc Anthony, India, Domingo Quiñones, Lourdes Robles, Rubén Blades, Brenda K. Starr, Tito Nieves, Víctor Manuelle y otros, lo ha establecido como uno de los arreglistas y productores más activos de la industria. Además ha tenido la responsabilidad de dirigir los conciertos de importantes exponentes del reggaeton como Daddy Yankee, Tito El Bambino y Zion, lo que demuestra innegablemente su amplio dominio musical en diversos géneros.

Su gran sueño siempre fue desarrollar una carrera en el Jazz. En 1992, Humberto Ramírez debutó como líder de grupo en su primera producción para el sello Tropijazz titulada “Jazz Project”. Desde entonces ha compartido el escenario con importantes músicos de Jazz como Freddie Hubbard, Justo Almario, Alex Acuña, Chick Corea, McCoy Tyner, Gonzalo Rubalcaba, Tito Puente, Hilton Ruiz, Michel Camilo, Herbie Hancock, Eddie Gómez, Michael Brecker, Paquito D’Rivera, Chucho Valdés, Ray Santos, Gato Barbieri, Terence Blanchard y Herb Alpert, con quien grabó el disco “Passion Dance”. Su música ha recibido excelentes críticas de prestigiosas publicaciones como, Down Beat, Jazz Times, Jazziz, Latin Beat, CD Review, Hispanic Magazine, New York Daily News, The Plain Dealer, Miami Herald, The Boston Globe y Austin Chronicle.

A partir del lanzamiento de su primera propuesta discográfica, Humberto Ramírez se ha consolidado como el más importante exponente e impulsor del Jazz en Puerto Rico. Ha grabado 26 discos en los cuales ha experimentado con todo tipo de formatos: duetos, tríos, cuartetos, quintetos, sextetos, octetos y “Big Bands”. Sus colaboraciones con el grupo Rumbantela y con la reina del filin, Lucy Fabery han recibido grandes elogios de la crítica especializada. En el año 2005 fundó su propio sello discográfico, Nilpo Music y el pasado año comenzó a presentar su propio festival de Jazz: Puerto Rico Jazz Jam marcando una nueva etapa en su carrera musical. Este año 2011 celebra sus 20 años cultivando la difícil expresión del Jazz, carrera que comenzó con su debut como líder en la primera edición del Puerto Rico Heineken Jazz Fest en junio de 1991. Este año 2016 celebra sus 25 años.

Humberto Ramírez ha recibido 4 nominaciones al premio Grammy como productor. Su primera nominación fue por el disco “Nueva Cosecha” de Willie Rosario en 1985, luego por “Hecho en Puerto Rico” de Willie Colón en 1993, “Tony Vega” en 1996 y “Olga Viva, Viva Olga” de Olga Tañón que lo hizo merecedor del premio Grammy en el 2000. En el 2013 fue nominado al Grammy Latino por su disco Sentimentales junto a Lucy Fabery. Entre los galardones que ha recibido se encuentran 6 discos de Platino, 12 discos de Oro, 4 “Visionary Awards” y seis premios “Tu Música”. Ha recibido homenajes por el representante del estado de Ohio, Dennis J. Kucinich y por el Senado de Puerto Rico.

En 1997 tuvo el honor de amenizar en la toma de posesión del Presidente de Estados Unidos, Bill Clinton en Washington, D.C. En octubre de 2009 fue invitado a tocar en la Casa Blanca para el Presidente Barack Obama.

Luego de haber recibido varios premios y nominaciones, al igual de haber grabado éxitos discográficos propios, Humberto Ramírez demuestra que su explosión creativa aún está en sus comienzos.

sábado, 11 de julio de 2020

Portishead


La banda fue formada en 1991 por el teclista Geoff Barrow y la cantante Beth Gibbons que tomaron el nombre de la localidad natal de Barrow, situada a 15 km al oeste de Bristol. Barrow había trabajado anteriormente con otras dos bandas de trip hop de Bristol, Massive Attack y Tricky. Portishead y otros grupos de  no están conformes con este término, argumentando que es sólo una invención mediática para catalogar su música inclasificable.
Después de estrenar el cortometraje "To Kill A Dead Man", Portishead firmó un contrato con la discográfica Go!Beat que editó su primer álbum Dummy en 1994, con la colaboración del guitarrista Adrian Utley. A pesar de la nula campaña de publicidad de la banda, el álbum fue un éxito en Estados Unidos y Europa, los sencillos Glory Box y Sour Times alcanzaron la cabeza de las listas de éxitos.
Su segundo álbum Portishead, salió a la venta en 1997 e incluyó en sencillo All Mine Undenied. Además, grabaron un concierto con acompañamiento de orquesta en Roseland, Nueva York, donde fueron interpretadas sus canciones más famosas. Éste, salió a la venta en 1998 con un DVD del concierto. En 1999 colaboraron con Tom Jones en la canción Motherless Child de su álbum Reload.
En el año 2003 Beth Gibbons se junta con el ex Talk TalkRustin Man (Paul Webb) para crear un precioso álbum solista llamado Out of season, donde su voz se une a notas elementales con notorias reminiscencias a la naturaleza, como lo demuestra en la frágil pero bella Mysteries.
El 14 de abril de 2008 sacaron su último disco, titulado Third.

viernes, 10 de julio de 2020

Down To The Bone




Down To The Bone es el proyecto personal del britànico Stuart Wade, en activo desde antes de1997. La suya es una lograda fusiòn de jazz de vanguardia y grooves urbanos, pero tambièn de instrumentos reales y samples sacados de la biblioteca de Wade. Con el jazz, el funk y el soul como ingredientes principales, su fundador explica que todo tiene que ver "con el groove…, que es lo que pone a la gente a bailar…". En efecto, aunque no se puede hablar de música de baile, el irresistible groove y los adicctivos
ritmos de su música convierten muchos de sus temas en invitaciones a pasar por la pista de baile:
álbum debut, From Manhattan to Staten, en 1997. Le siguieron The urban Grooves: album II (1999) y Spread the Word: álbum III(2000); su cuarto álbum , Crazy vibes and things (2002). Cellar funk (2004);
Spread love like wilfire (Junio 2005). El 6/02/06, Narada jazz edita el recopilatorio The best of Down To The Bone. Y su séptimo álbum Supercharged. También por esas fechas editaron Electric vibes-remixes.

jueves, 9 de julio de 2020

Metropolitan Jazz Affair





Metropolitan Jazz Affair es un grupo francés formado por Bruno Hovart (conocido por sus producciones como Patchworks, Mr President o The Dynamics) y Eric Duperray aka Mr Day, con la participación del pianista y organista Benjamin Devigne y Stephane Ronget. Es una de las propuestas más interesantes de nu-jazz, especialmente recomendable para los amantes del jazz electrónico con más sabor a jazz, aquel en el que los elementos electrónicos apenas si tienen protagonismo. El grupo, no obstante, ha evolucionado de unos inicios en los que fusionaba equilibradamente acústica y electrónica, a una música más jazzística y orgánica, en la que, además, introduce melodías soul, ritmos de bossa nova y hasta se atreve con el hip hop. Es, por tanto, una propuesta que, por supuesto, gustará a todos los amantes del nu-jazz, especialmente del alegre y bailable, pero que también seducirá, con toda probabilidad, a los aficionados del jazz, aunque nunca se hayan interesado por el jazz electrónico.
El debut de Metropolitan Jazz Affair se produjo en el 2003, con el álbum MJA (eso es lo que pone en la carátula, pero es frecuente verlo escrito con el nombre completo del grupo), editado por Dreyfus Records. A partir de entonces, el grupo alcanza notoriedad internacional y varios de los temas son incluidos en compilaciones de numerosos países. En Marzo del 2007 se publica el segundo álbum, Bird Of Spring, de la mano del prestigioso sello germano INFRACom!

miércoles, 8 de julio de 2020

Azymuth




Azymuth es un trío brasileño formado por Jose Roberto Bertrami, piano y principal compositor, Alex Malheiros, bajo, guitarra eléctrica y composición e Ivan Conti, batería, percusión y compositor, nacido en Brasil (Rio de Janeiro), en 1972. Azymuth contribuyó a popularizar la música brasileña internacionalmente, además de hacerla evolucionar, ya que fueron de los primeros en introducir la electrónica en sus composiciones. Vieron las posibilidades de los sintetizadores y otros instrumentos electrónicos, por lo que consiguieron un sonido único, fusión de ritmos brasileños, de música popular brasileña (con predominancia de samba y bossa nova), jazz, funk, rock y electrónica (electro-acústica para ser exactos). Ellos definen su estilo como samba doido (samba loca) Sin la existencia de esta formación, grupos como Zuco 103, Cibelle, Bossacucanova o Trio Mocotó quizá no existirían, o su sonido no hubiera sido tan bien recibido desde el principio en todo el mundo. Además, son admirados por grupos de la talla de 4 Hero, Jazzanova y Masters at Work (que han producido remezclas de sus temas). Han sido imitados por innumerables grupos y han sido sampleados hasta la saciedad, por lo que no resulta descabellado considerarlos los abanderados de la nueva música brasileña.
Es uno de los grupos de jazz más importantes, con una trayectoria que abarca más de tres décadas, y en la que han obtenido grandes éxitos, no sólo de crítica, sino también de ventas: sus álbumes de finales de los setenta y comienzos de los ochenta triunfaron en Estados Unidos y Reino Unido, además de atraer la atención de Europa y Japón. Los tres miembros formaron parte de diferentes bandas de Río de Janeiro durante los sesenta. Una noche, dado que los tres actuaban en el mismo club, al mismo tiempo, pero en diferentes escenarios, los tres tuvieron la brillante idea de unir fuerzas tocando juntos en el mismo escenario. El resultado tuvo que gustarles tanto que, a partir de ese día, han tocado juntos en escenarios de todo el mundo durante más de treinta años. Para sus primeras grabaciones, contaron con la participación del percusionista Arivialdo, pero a consecuencia de la muerte de éste a principios de los ochenta, continuaron como trío.
El punto de inflexión del trío se produjo cuando el compositor Marcos Valle les invitó a participar en la grabación de la banda sonora de la película O fabuloso Fittipaldi, en 1973. La BSO tuvo un enorme éxito de crítica y de ventas, por lo que la formación adquirió popularidad rápidamente. Uno de los temas se titulaba Azymuth, por lo que, con el permiso de Marcos Valle, pasaron a adoptar ese nombre. Su primera grabación fue un EP con cuatro temas, editado por Polydor Records, que fueron utilizados como música en un programa brasileño llamado Picado Capital. Tanto el programa como la banda sonora tuvieron un impresionante éxito. En 1975 apareció el álbum debut, Azymuth, que incluía un tema, Linha Do Horizonte, que fue un gran éxito y fue utilizado para la banda sonora de la telenovela Zoca Metais. Además, permitía escuchar dos temas que ahora son considerados clásicos: Manha y Faça de conta. El segundo álbum, Agua Nao Come Mosca (1977) obtuvo mayor éxito aún, abriéndoles las puertas del mercado internacional: fue distribuido en Estados Unidos y Japón por Atlantic Records. Además, despertó el interés del prestigioso sello estadounidense de jazz Milestone, con el que firmaron un contrato por varios discos, y participaron, con gran éxito, en el Festival de Jazz de Montreaux.
En 1979 editaron su primer larga duración para el sello Milestone, Light as a feather, uno de los más vendidos de aquel año, ya que incluía el hit Jazz carnival, single que vendió medio millón de copias internacionalmente y permaneció en el top 20 del Reino Unido durante ocho semanas. Tras éste, editaron varios álbumes más para Milestone, todos ellos con una buena cogida crítica y comercial, hoy en día considerados como clásicos de la historia del jazz. Llegaron Outubro (1980), Telecommunication (1982), Cascades (1982), Rapid Transit (1983), Flame (1984), Tightrope Walker (1986), Carioca (1987) y Crazy rithm (1987). Su prestigio les permitió colaborar con otros grandes músicos de jazz, como Chick Corea, Joe Herderson, Deodato, Jim Capaldi y Stevie Wonder. También han participado, individualmente, en las grabaciones de buena parte de los más emblemáticos músicos brasileños, como Jorge Ben, Tim Mia, Erasmo Carlos y Gal Costa.
Mientras editaban álbumes para Milestone con continuado éxito, en 1983, cada uno de los tres miembros inició la grabación de álbumes en solitario, aunque ninguno alcanzó individualmente la notoriedad que tenían como trío. Tras su etapa en el sello estadounidense de jazz, y antes de iniciar una época de separación, editaron otros dos álbumes: Tudo Bem (1989) y Carumin (1990), pero sin lograr el beneplácito de la crítica. Parte de esta pérdida de calidad puede explicarse por la marcha momentánea de Jose Roberto Bertrami. Alex Malheiros e Ivan Conti trataron de continuar con la colaboración de Jota Moraes al teclado, hasta que, en los noventa, Bertrami volvió a reunirse con sus antiguos compañeros. A mediados de los noventa, Joe Davis, del sello Far Out Recordings, conoció al trío brasileño en la grabación de Friends From Rio. Éste, fan del grupo desde hacía más de quince años, se propuso convencerles para que volvieran a grabar álbumes, esta vez para su sello Far Out Recordings. El primer resultado de esta colaboración fue Carnival, en 1996, al que han seguido seis álbumes más para dicho sello. Por otra parte, ese mismo año, para confirmar su vuelta a la actualidad discográfica, se editó un álbum de significativo título: 21 anos. Esta fructífera colaboración con el sello Far Out Recordings ha dado como fruto los álbumes Woodland Warrior (1997), Pieces of Ipanema (1998 ), Before we forget (2000), Partido Novo (2002) y Brazilian soul (2004), con el que el grupo brasileño celebra sus treinta años de carrera discográfica. Incluye catorce temas nuevos que repasan los diferentes estilos de la formación a lo largo de más de tres décadas de actividad. En Febrero del 2006 llega Pure (The Far Out years 1995-2006), un recopilatorio de sus trabajos para el sello británico, así como remixse de Jazzanova, 4 Hero, Spiritual South y Roni Size, entre otros. A principios del 2007 Far Out Recordings edita Azymuth (Remastered & remixes), un doble CD con el álbum debut remasterizado y un segundo disco con remezclas. En Octubre del 2008 el sello británico presenta el trabajo de estudio Butterfly.

martes, 7 de julio de 2020

Ronny Jordan



El estilo de este guitarrista londinense de orígen jamaicano, que es en justicia considerado como uno de los pioneros de sonido Acid Jazz desde aquel ya lejano 1992 en que viera la luz su primer disco (The Antidote), se desliza tomando como punto de referencia básico de su obra el jazz más depurado (su primer trabajo tiene una dedicatoria expresa a Wess Montgomery) para acabar "contaminándose" (y mucho) de buen funk, fusión y hip-hop, resultando una mezcla explosiva que no por recurrente en los autores de la escena AJ deja de resultar efectiva, máxime cuando es interpretada con el virtuosismo instrumental de Jordan y el elegantísimo talento que derrama este autor en cada uno de sus trabajos.

lunes, 6 de julio de 2020

DOS ANECDOTAS DE ARMSTRONG


Louis Armstrong

Louis Armstrong fue un hombre muy carismático. Desde muy joven se le conoció como jocoso y su característica principal era el buen humor. Tantos episodios ocurrieron en su vida que hoy solo vamos a referir dos anécdotas cortas para que sigamos conociendo a uno de los íconos más brillantes del jazz.

La primera de ellas tiene que ver con esa obsesión de Armstrong por los laxantes. Solía tomar en cantidad uno de ellos, cuya marca era “Swiss Kriss”, un laxante herbal que comenzó a tomarlo en principio por su estreñimiento; pero luego descubrió que podía perder peso sin tener consecuencias en su metabolismo. El detalle era que el laxante no avisaba y muchas veces Armstrong se vio en apuros por la acción y efecto del depurativo. Pero tanto era su apego al remedio que desde 1952 hasta la fecha de su muerte lo tomaba a diario.

En una oportunidad estaba de visita en Roma y el Papa Paulo VI le atendió muy amable por ser una figura pública y trascendente. En medio de la conversación, Armstrong sufrió una de esas emergencias y el Papa gentilmente le ofreció su cuarto de baño particular. Tomó su tiempo y al salir del cuarto le dijo a su esposa con la sonrisa que le caracterizaba “Mi amor, están equivocados. El retrete no es de oro como dicen. Y, sí, ahora el Papa y yo tenemos algo en común: compartimos la misma poceta”. Al despedirse Louis Armostrong le regaló al Papa una botella de “Swiss Kriss”.

Otra anécdota tiene que ver con la canción “What a Wonderful World”. Los compositores Bob Thiele y George Weiss al hacer la composición, pensaron que el ideal para interpretarla era Tony Bennet. Era una voz de barítono que en ese momento estaba en la cúspide y la canción podía llegar facilmente a los primeros lugares de la cartelera musical. Sin embargo, Bennet la rechazó por considerarla que no era su estilo. A pesar de ser una canción optimista, Bennet pensaba que la música era muy triste. 

Decepcionados, Thiele y Weiss buscaban a alguien con el mismo tono y característica que Bennet. Pero alguien sugirió que Armstrong con su voz áspera podía darle un giro y enriquecerla, además de que era Louis Armstrong. Y fue así cómo en agosto de 1967 se acercaron al jazzista y éste sin pensarlo aceptó y la grabó en una sola sesión. El éxito ha sido tan impresionante que hasta hoy What a Wonderful World ha tenido muchas versiones y todas con éxito; pero jamás igualada a la que hizo Armstrong ese año.

domingo, 5 de julio de 2020

WAYMAN TISDALE

Nadie pensó que aquel joven que formaba parte del All American Team del Basketball de 1983 hasta 1985, que fue medallista de oro en los juegos Panamericanos de 1983 en Caracas y los Olímpicos de 1984 en Los Angeles, se convertiría en uno de los músicos más queridos y más “llorados” cuando murió en el ambiente del Smooth Jazz. 

Wayman Tisdale nació en Fort Worth, Texas en 1964 y desde muy joven integró las filas de importantes equipos de basketball de la NBA; pero a la par de eso tenía una pasión, la música. Y estudió y aprendió a tocar el bajo para posteriormente una vez retirado de la NBA en 1995, inmediatamente se fue al estudio de grabación e hizo su primera producción discográfica llamada Power Forward, album que fue galardonado ese año con el Legacy Tribute Award por el Oklahoma Jazz Hall of Fame.

Poco a poco fue haciéndose un nombre, ahora, en el mundo del smooth jazz, compartiendo tarima con mucha gente que admiraba y que felizmente le aceptaron como uno de los suyos. Periodicamente Tisdale presentaba sus producciones que fueron posicionándose en el listado de exitos y discos más vendidos del jazz, y después de haber grabado su séptimo disco (Way Up – 2006) en marzo del 2007 bajaba las escaleras de su casa cuando resbaló y se golpeó la rodilla. En principio no pasó de la dolencia que usualmente queda como resultado del accidente; pero los días posteriores fueron de dolor insoportable. Fue al médico y en los estudios detectaron la desagradable sorpresa que sacudió a Tisdale. Un cáncer apareció para atormentarle los días que vinieron. A pesar de ello, grabó su octavo disco: Rebound, de 2008, porque supuestamente después de los tratamientos aplicados el cáncer había desaparecido 100% de su cuerpo. 

Sin embargo tuvo una recaída al año siguiente y el 15 de mayo del 2009 murió. El anuncio fue hecho por la Universidad de Oklahoma. Tisdale había dejado pendiente unas grabaciones de estudio que hizo en el 2008 y fue así como en el 2010, se publica el disco post-mortem llamado The Fonk Record

sábado, 4 de julio de 2020

El loco mundo del jazz


Tras las conocidas melodías de las estrellas del jazz, de los años cuarenta y cincuenta, a menudo parece esconderse la sombra de una vida tormentosa. Adicción a las drogas, abusos o trastornos mentales son algunas de las facetas que escondieron los músicos de la época dorada (entre 1945 y 1960).

Las biografías de 40 figuras renombradas del jazz han servido como base para el estudio realizado por el psicólogo Geoffrey Willis. Los resultados mostraron que el brillo de estas estrellas poseía un cierto matiz. Los artistas presentaron una probabilidad ocho veces mayor de sufrir algún tipo de drogodepencia y eran cuatro veces más propensos a sufrir trastornos del ánimo.

En cuanto a la adicción a las drogas, más de la mitad de los 40 músicos estudiados estuvieron 'enganchados' a la heroína. En este sentido, el doctor Wills apunta que el uso de heroína se generalizó entre estos artistas debido a la abundante circulación de esta sustancia entre la población negra.

"El Jazz moderno era una música revolucionaria que no era muy aceptada por la audiencia. La heroina, como la música, era un elemento revolucionario", explica el autor del estudio publicado en 'British Journal of Psyciahtry'.

La cocaína también tuvo una presencia relevante en las vidas de algunos de ellos, como MiIles Davis, Art Pepper o Bill Evans. Y no faltó el alcohol, puesto que 11 artistas afirmaron ser dependientes.

En algunas ocasiones la familia también jugó un papel que pudo perjudicar la estabilidad de los artistas. Los padres del saxofonista Art Pepper, por ejemplo, sufrieron problemas de alcoholemia, y la madre de Stan Getz padeció depresión.

Seis casos de abuso y un gran número de suicidios son otros de los elementos a sumar a esta lista de adicciones y sufrimientos escondidos. Sin olvidar los trastornos mentales de algunos músicos, como es el caso de Miles Davis, quien sufría alucinaciones que llegaron a tener un matiz paranoico, o de Bud Powell, que fue diagnosticado de esquizofrenia. Art Pepper, por otro lado, padecía un trastorno obsesivo compulsivo y tenía fobia a la sangre y a responder al teléfono.

El doctor Wills añade que la clave de este nuevo estudio es la vulnerabilidad que presentan estos músicos y que es comparable a la sufrida por otros artistas y escritores. Pero, subraya que esto "no quiere decir que todos las estrellas del jazz estén locas", igual que tampoco lo están todos los integrantes del mundo artístico.


Fuente : Elmundo.es

viernes, 3 de julio de 2020

Spyro Gyra



Spyro Gyra es una banda estadounidense de jazz fusión y smooth jazz, creada a mediados de los años 1970, en Buffalo (New York). con más de 25 álbumes editados y 10 millones de copias vendidas, se encuentran entre las bandas de mayor proyección del género. Entre sus singles más exitosos, se encuentran "Shaker Song" y "Morning Dance".
Su música, combina jazz con elementos de R&Bfunk y pop. Con la excepción del saxo altocompositor y líder de la banda, Jay Beckenstein, y del teclista Tom Schuman, el personal de la banda ha ido cambiando de forma constante, aunque algunos de los miembros, como el actual guitarrista, Julio Fernández, hayan permanecido en ella más de una década.
El álbum "A Foreign Affair",​ publicado el 13 de septiembre de 2011, intentaba recuperar el sonido de sus primeros discos, incluyendo ocasionalmente un cantante.​ El nombre de la banda, está tomado de una especie de algas, llamadas precisamente Spirogyra.
ras tocar durante varios meses en su ciudad natal, la banda comenzó a expandir sus actuaciones. Su primer álbum, homónimo, fue autoeditado a finales de 1977, incluyendo algunos invitados, como Dave Samuels y Rubens Bassini, que acabaron colaborando asiduamente con el grupo. Este disco, atrajo la atención del sello discográfico local, Amherst Records, que lo re-editó con una nueva portada. El álbum se situó en el Billboard's Top 40 de Discos de Jazz, en 1978.
La siguiente grabación, Morning Dance, producida por Amherst, se grabó parcialmente en Nueva York, y contó con invitados de renombre, como John TropeaWill LeeSteve JordanMichael BreckerRandy Brecker y Suzanne Ciani. Durante la grabación se produjeron más cambios de músicos en la banda, que ya contaba con pocos de los miembros iniciales. La edición en marzo de 1979 de ese disco, proporcionó al grupo un lugar estable en la escena internacional. Gracias a los esfuerzos de Infinity Records, un sello subsidiario de MCA, el grupo actuó en casi todas las grandes ciudades americanas y europeas. El álbum consiguió el disco de platino, gracias a su tema de igual nombre, que consiguió el # 1 en las listas de AOR y el #6 en la de singles de Billboard. El álbum alcanzó también el #11 en la lista británica, mientras el sencillo se situaba en el #17.​
El siguiente álbum de Spyro Gyra, Catching The Sun, fue editado directamente por MCA, en febrero de 1980, con similar éxito, de forma parecida a los siguiente discos. Entre tanto, la formación de la banda siguió inestable, con sucesivos cambios en el personal de la misma. Los discos, por su parte, contaban con un gran número de músicos invitados, como Marcus MillerSteve GaddTom ScottRichard Tee o Toots Thielemans. Un total de ocho discos de Spyro Gyra, entre ellos A Night Before Christmas (2008), que incluía a la cantante Christine Ebersole, así como a Dave Samuels y Janis Siegel, han sido galardonados con un Grammy, además de otras varias nominaciones.
El bajista Jim Kurzdorfer murió de cáncer en el año 2011. El antiguo bateria de la banda, Ted Reinhardt, murió en un accidente de aviación el 4 de marzo de 2015. Dave Samuels murió el 22 de abril de 2019.